Dove, Quando e Perchè...

Top Audio Milano 2011 15 - 18 Settembre.

2011-09-12T06:17:00.000-07:00

WWW.MOONLIGHTRECORDS.COM

Ci siamo, si riparte. Dopo una lunghissima pausa siamo tornati piu' agguerriti che mai. E soprattutto con grandi novita' che permetteranno alla Moonlight Records di affrontare con serenita' e determinazione le sfide che il mercato discografico audiofilo e non ci porra'.
Questo periodo di finta inattivita' ci è stato necessario per girare l'Italia in lungo e in largo in modo da cercare di capire umori , esigenze e aspettative del pubblico piu' affezzionato, ossia voi, ma anche per incontrare tutti quei giovani che stanno facendo, vuoi per moda, vuoi per passione, i pirmi passi verso il tipo di musica che proponiamo.
Quello che abbiamo capito è che ci troviamo di fronte a sfide che nessuno vuole affrontare ma al contempo ineludibili.
Inutile dire che non saremo mai in grado di competere a livello economico con i grandi colossi del settore, ma siamo altrettanto convinti che abbiamo tutte le carte in regole per poter dire la nostra in quei piccoli angoli che riusciremo a ritagliarci.
Quello che ci sentiamo gia' da ora di assicurarvi è la grande qualita' delle proposte che vi sottoporremo.
Per ora un caro saluto a tutti in attesa di vederci al Top Audio Di Milano il 15 - 16- 17 - 18 settembre dove avremo il piacere di spiegarvi personalmente le grandi trasformazioni in corso.
Per coloro che non parteciperanno alla manifestazione ancora un attimo di pazienza, saremo tutti parte integrante ( noi, voi ascoltatori, musicisti e anche rivenditori ) del nuovo corso della Moonlight .
Infine per il negozio "tradizionale" le spedizoni riprenderanno regolarmente mercoledi 21 settembre.
Firmato
Simone Moonlight

24 - 26 giugno // 9 luglio - Ravenna Festival in occasione dei concerti del Maestro Muti

2011-06-23T08:16:00.000-07:00

CHICAGO — The Chicago Symphony Orchestra and Chorus’ recording of Verdi's Messa da Requiem, led by Music Director Riccardo Muti on the Orchestra’s own CSO Resound label, was awarded two Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences at the 53rd annual awards ceremony in Los Angeles on Sunday, February 13, 2011. The recording of Verdi’s Requiem won Best Classical Album, with statuettes awarded to Maestro Muti and Producer Christopher Alder, and Best Choral Performance, with statuettes awarded to Maestro Muti and Chicago Symphony Chorus Director Duain Wolfe.
These Grammys are the third and fourth for CSO Resound since the CSO launched its independent record label in May 2007. Recordings by the Chicago Symphony Orchestra have earned 62 Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences. These are the first Grammys for Riccardo Muti, the 11th Grammy won by a Chicago Symphony Orchestra recording in the “Best Classical Album” category, the first Grammy for Duain Wolfe, and the 10th Grammy won by a Chicago Symphony Chorus recording in the “Best Choral Performance” category.
One of the Orchestra’s Grammy statuettes (Best Orchestral Performance for the 1990 recording of John Corigliano’s Symphony No. 1 with Daniel Barenboim conducting) can be seen on exhibit at the Field Museum in their Gold exhibit, which runs through March 6, 2011.
Verdi’s Messa da Requiem
The Chicago Symphony Orchestra released Verdi’s Messa da Requiem in September 2010 as the 12th release on the CSO Resound label, coinciding with the launch of Maestro Muti as the 10th music director. Verdi’s Requiem was recorded live during sold-out concerts at Symphony Center in January 2009, which marked Riccardo Muti’s first performances with the Chicago Symphony as music director designate.
In this recording, Riccardo Muti and the Chicago Symphony Orchestra and Chorus deliver a stunning performance featuring Barbara Frittoli, Olga Borodina, Mario Zeffiri, and Ildar Abdrazakov as vocal soloists. Muti leads these collective forces in an energetic and poignant interpretation of Verdi’s masterpiece. Since its release in late September 2010, this recording has sold nearly 7,000 copies.
A musical force in Chicago and around the world, the CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA has been consistently hailed as one of the finest international orchestras since its founding in 1891. At its helm since September 2010 is Riccardo Muti, the Orchestra’s 10th music director.
The Orchestra’s expansive catalog of recordings has earned 62 Grammy Awards. In 2007, in order to significantly broaden the reach of the world-class music making of the Orchestra, the CSO launched its in-house record label, CSO Resound. All CSO Resound releases are selected from live recordings of CSO concerts in Orchestra Hall at Symphony Center, documenting and extending a unique concert experience.
Previous CSO Resound releases include Stravinsky’s Pulcinella, conducted by Pierre Boulez; Mahler’s Third Symphony, with Michelle DeYoung and the women of the Chicago Symphony Chorus; Mahler’s Sixth Symphony and Bruckner’s Seventh Symphony, all conducted by Bernard Haitink; and the download-only recording of Shostakovich’s Fifth Symphony under Myung-Whun Chung. CSO Resound is underwritten by a generous gift from Mr. and Mrs. Ralph Smykal.
Born in Naples, Italy, RICCARDO MUTI first came to the attention of critics and public in 1967, when he won the Guido Cantelli Competition for conductors in Milan. In 1971, Muti was invited by Herbert von Karajan to conduct at the Salzburg Festival; his association with the Vienna Philharmonic and the festival continues today. Muti has served as principal conductor of the Maggio Musicale Fiorentino, chief conductor of the Philharmonia Orchestra, music director of the Philadelphia Orchestra and music director of the Teatro alla Scala. In 2006, he was appointed artistic director of Salzburg’s Pentecost Festival.
Over the course of his extraordinary career, Riccardo Muti has conducted most of the important orchestras in the world, including the Berlin Philharmonic, Bavarian Radio Symphony Orchestra and the New York Philharmonic, among others. Maestro Muti made his debut with the Chicago Symphony Orchestra at the Ravinia Festival in July 1973. His appointment as the CSO’s tenth music director was announced in May 2008, and in September 2010, he assumed the post for a five-year contract.
DUAIN WOLFE was appointed director of the Chicago Symphony Chorus by Daniel Barenboim in the spring of 1994, succeeding founding director Margaret Hillis. He has prepared the Chicago Symphony Chorus for nearly a hundred programs in Orchestra Hall and at the Ravinia Festival, as well as in a dozen works for commercial recordings. Wolfe also directs choral works at the Aspen Music Festival and the National Arts Centre in Ottawa, and he is founder-director of the Colorado Symphony Chorus, a position that he maintains along with his Chicago Symphony Chorus post.
Wolfe retired in 1999 from the Colorado Children’s Chorale, an organization that he founded and conducted for 25 years. Also active as an opera conductor, he worked as conductor of the Central City Opera Festival for 20 years. Wolfe’s activities have earned him an honorary doctorate and numerous awards, including the Bonfils Stanton Award in the Arts and Humanities, the Colorado Governor’s Award for Excellence and the Denver Mayor’s Award for Excellence in an Artistic Discipline. He is a past chairman of the board of Chorus America, the national service organization for choruses.
2011 GRAMMY AWARDS FOR CSO RESOUND RECORDINGS
BEST CLASSICAL ALBUM
BEST CHORAL PERFORMANCE
VERDI Messa da Requiem
Chicago Symphony Orchestra
Riccardo Muti, conductor
Barbara Frittoli, soprano
Olga Borodina, mezzo-soprano
Mario Zeffiri, tenor
Ildar Abdrazakov, bass
Chicago Symphony Chorus
Duain Wolfe, director
Producer: Christopher Alder
Recording Engineer: Christopher Willis
Editing: Classic Sound Limited, U.K.
Mixing: David Frost and Tom Lazarus
Recorded live in Orchestra Hall at Symphony Center, January 15, 16 and 17, 2009.
Catalog numbers: CSOR 901 1008 (hybrid SACD)

4- 5 Dicembre - Roma Hi End

2010-12-02T06:28:00.000-08:00

Moonlight Records Vi aspetta a Roma

Sabato 4 e Domenica 5

in occasione del Roma HI End.

Sara' un'occasione per ascoltare i vostri cd e soprattutto lp come non li avete mai sentiti prima d'ora.

Vi aspettimao

6 Giugno - Genova - Orchestra Buena Vista Social Club

2010-06-05T00:24:00.000-07:00

Saremo presenti in occasione del concerto dell'Orchestra Buena Vista Social Club a Genova Domenica 6 Giugno presso il festival BreakOut di Villa Serra.

Vi aspettiamo numerosi

20 anni dopo la storica performance al Carnegie Hall di New York, il gruppo cubano più famoso al mondo: l’Orquestra Buena Vista Social Club arriva in Italia con i suoi 11 elementi, rappresentanti di un club attivo dal 1932, le cui vicende sono intimamente legate alla storia di Cuba.
Questo gruppo straordinario è formato da grandi musicisti accumunati dalla passione per la musica e per la propria terra si presenta più vitale che mai con questa formazione: Manuel Galbàn alla chitarra e tastiere, Jesus Aguaje Ramos al trombone (direttore musicale), Guajiro Mirabal alla tromba, Barbarito Torres al laud cubano, Angel Terry alle congas, Carlos Calunga ai cori, Idania Valdès ai cori e percussioni, Rolando Luna al piano, Filberto Sanchez ai bonghi, Luis Alemany alla tromba e Raùl Nacianceno al clarinetto, flauto e sax.

Dopo lo strepitoso successo della passata edizione, ritorna Villa Serra/BREAKOUT il grande contenitore estivo sulle colline di Genova all’interno del quale si incrociano e si fondono poliedrici appuntamenti di musica, spettacolo, socialità e di cultura eco-sostenibile.

L’incantevole Parco di Villa Serra, il terreno a filo d’erba e i suoi alberi secolari saranno nuovamente il luogo di accoglienza di proposte capaci di raccogliere, in una programmazione eclettica ed intelligente, il meglio delle proposte italiane ed internazionali.

La musica, allo stesso tempo, sarà il mezzo per promuovere attività che favoriscano l’incontro tra diverse forme culturali e per approfondire alcuni concetti fondamentali: dalla difesa dei diritti umani alle tradizioni popolari passando per l’utilizzo di tecnologie innovative senza tralasciare l’eco sostenibilità.

Oltre 30 proposte musicali in due mesi di programmazione selezionate all’insegna della qualità e capaci di accontentare anche il pubblico più esigente.

Grandi nomi internazionali raggiungeranno Villa Serra: la musica graffiante di Juliette Lewis, l’attrice americana sul palco il 25 giugno con il suo nuovo progetto musicale Juliette and the New Romantiques, introdotta dalla conturbante Tying Tiffany e dal collettivo al femminile Missbit.

Il 6 giugno direttamente da Cuba l’Orquesta Buena Vista Social Club, 11 straordinari musicisti uniti nel gruppo che più ha segnato la storia dell’isola caraibica.

Attraversando il mar dei Caraibi arriviamo in Giamaica per incontrare The Wailers, il gruppo raggae che fu capitanato da Bob Marley, e gli Skatalites, altra pietra miliare della musica in levare e dello ska in particolare, il 23 luglio in concerto insieme ai nostrani Boo Boo Vibration e Marcellios.

Ed è musica fortemente legata alla propria terra anche quella degli Ska-p, in concerto il 19 giugno introdotti da Punkreas e Fratelli di Soledad, che con il loro ska-punk madrileno da oltre 15 anni cantano in tutta Europa e non solo la loro personale lotta contro la dittatura mentre il Teatro degli Orrori porta in scena sabato 3 luglio il rock d’impegno sociale.

Esperienze di vita e di viaggio dall’est europeo alla Grande Mela sono le fondamenta dei Gogol Bordello, il progetto folk-punk capitanato dal cantante e compositore ucraino Eugene Hutz che si esibirà il 17 luglio mentre pochi giorni più tardi, il 24 luglio, ritorneranno le atmosfere balcaniche con le composizioni di Goran Bregovic capaci di mescolare le sonorità di una fanfara tzigana alle accentuazioni rock dando vita ad una musica straordinariamente unica.

L’eredità culturale ebraica e i ritmi mediterranei sono alla base delle sonorità degli Oi Va Voi, straordinaria reunion di un gruppo esploso a fine anni ’90, per noi in concerto il 9 luglio.

Ma non manca il rock più puro: dall’hard&heavy degli australiani Airbourne, il 1 luglio nella loro unica data italiana introdotti da Sadist e Labyrinth, al rock di casa nostra che il 12 giugno per la ROCK TV NIGHT vedrà protagonisti Linea 77 (la nu-metal/crossover band piemontese reduce dalla recente pubblicazione di inediti 10) insieme a Meganoidi, Tre allegri ragazzi morti, The Fire, Extrema e Sick Tamburo.

Il giorno precedente sono i Baustelle a presentare la loro ultima fatica I Mistici dell’Occidente, disco raffinato uscito a più di due anni dall’ultimo grande successo discografico.

E poi ancora rock d’autore con la genialità esilarante di Elio e le Storie Tese il 18 giugno mentre l’hip hop di J-Ax, tra racconti metropolitani e pungente sarcasmo, arriva il 23 dello stesso mese.

Ma ovviamente si celebrano le sere d’estate ballando con Roy Paci & Aretuska (il 16 luglio insieme all’energia e al ritmo degli Hormonauts) o con i ritmi house dei Motel Connection (4 giugno).

E ancora momenti di grande intensità con il rock alternativo degli Afterhours, il 10 giugno in arrivo dopo tour nei più importanti teatri italiani, e con l’ironia e la poetica di Simone Cristicchi che apre il festival il 28 maggio.

E tra le ultime conferme c’è Nina Zilli, rivelazione musicale del panorama italiano dell’ultimo anno e vincitrice del Premio della Critica “Mia Martini” all’ultimo Festival di San Remo, in concerto a Villa Serra il 1 giugno.

Stefano Bollani - Piano Solo x Haiti - Varese 10 Marzo 2010

2010-03-09T08:06:00.001-08:00

VARESE – Domani sera, 10 marzo, alle 21, suonerà al Teatro Apllonio, in piazza Repubblica, per beneficenza: la fondazione Francesca Rava Nph Italia lo ha voluto come ospite d’onore per una serata a favore dei bambini vittime del terremoto ad Haiti. Lui è anche il pianista italiano di jazz (e non solo) più acclamato degli ultimi anni. Si chiama Stefano Bollani, e ha raccontato qualcosa di sè a VareseNotizie.

Una delle prime “performance” che ha subito fatto capire che sei un musicista un po’ anomalo è una tua imitazione di Johnny Dorelli nel disco “Craccracriccrecr” di Elio e le Storie Tese. Era il 1999. Cos’è cambiato in questi undici anni?

In realtà non molto, perché il mio spirito e l’entusiasmo sono rimasti gli stessi. Un intervento come quello è nato semplicemente dalla voglia di divertirmi con i miei amici Elii mentre stavano registrando un disco. E così, poi, sono nate tutte le altre iniziative, le imitazioni, anche i libri: solo dalla curiosità e dalla voglia di divertirsi.

Quella è rimasta assolutamente la stessa. È la tua prima volta a Varese?

No, ho suonato già una volta ai Giardini Estensi, poi ho fatto un concerto a Ponte Tresa, per il premio letterario “Ponte Magico” organizzato dalla mia amica Chiara Zocchi. Mi fa molto piacere suonare nella vostra città, perché lì ho molti amici e poi perché ci sono passato troppe poche volte. Ma questa è un’occasione speciale. Sì, perché questa volta l’intero incasso del concerto sarà devoluto alla fondazione Francesca Rava Nph Italia. Non è facile per me scegliere per chi suonare, richieste di concerti per beneficenza me ne arrivano tantissime. Sono legato da anni ad Emergency, perché so come lavorano e so che mi posso fidare. Questa volta un amico mi ha garantito della serietà dell’iniziativa, così ho accettato. E poi la tragedia di Haiti ci ha colpito tutti profondamente. Non era possibile dire di no.

Cosa dobbiamo aspettarci da questo “piano solo”?

Meglio non aspettarsi niente, così non si rimane delusi! Sinceramente, poi, non so nemmeno io cosa aspettarmi: quando faccio i concerti di piano solo improvviso totalmente. Non preparo neanche la scaletta, suono quello che mi viene in mente. Poi, verso la fine, chiedo al pubblico cosa vorrebbe sentire e suono “a richiesta”: è lì che vengono fuori le cose più strane, come le mie imitazioni di Battiato o Jovanotti. Preferisco così. Sono molto più teso se devo suonare con un’orchestra seguendo degli spartiti precisi. Quando sono solo sono totalmente libero di seguire la mia voglia di divertirmi.

Non è proprio possibile perdersi la tappa varesina di un grande pianista come Bollani, capace di intrattenere, divertire ed emozionare non solo con la sua bravura di musicista, ma anche con una notevole verve, tutta toscana. Il Teatro ha ancora biglietti disponibili, acquistabili su www.ticketone.it o direttamente alla biglietteria del Teatro di Varese.

Chiara Frangi Varesenews.it

La Biglietteria del Teatro è aperta nei seguenti orari:

dal lunedì al sabato dalle 11.00 alle 14.00 e dalle 17.00 alle 19.00.

Nei giorni di spettacolo il botteghino è aperto dalle 20.00 alle 21.00 o dalle 15.00 alle 16.00.

Per informazioni telefoniche potete rivolgervi al n. 0332 247897.

Crazy Heart : 2 Oscar e nulla in Italia ?

2010-03-08T01:46:00.001-08:00

Four-time Academy Award® nominee Jeff Bridges stars as the richly comic, semi-tragic romantic anti-hero Bad Blake in the debut feature film from writer-director Scott Cooper. Bad Blake is a broken-down, hard-living country music singer who's had way too many marriages, far too many years on the road and one too many drinks way too many times. And yet, Bad can’t help but reach for salvation with the help of Jean (Maggie Gyllenhall), a journalist who discovers the real man behind the musician. As he struggles down the road of redemption, Bad learns the hard way just how tough life can be on one man’s crazy heart.

Crazy Heart: Original Motion Picture Soundtrack includes 16 songs from the film. A deluxe edition of the soundtrack featuring all 23 songs from the film, sequenced in their running order, is also available. The soundtrack was co-produced by 10-time Grammy® Award winner T Bone Burnett. Burnett, who co-produced the soundtrack with guitarist/songwriter Stephen Bruton, earned past Grammy Awards for his work on the 8-times Platinum release, O Brother Where Art Thou? and Platinum soundtrack to the Johnny Cash biopic, Walk The Line.

The film is dedicated to Bruton, a lifelong friend of Burnett who passed away in 2009. In a long and distinguished career, Bruton excelled as a musician, songwriter and producer. He played guitar with Kris Kristofferson since the early 70s, had songs recorded by Bonnie Raitt, Willie Nelson, Waylon Jennings and Johnny Cash among others, and released five records as a solo artist, the last three for New West. Just before passing, Bruton was working on Crazy Heart both musically and in a consultation role for Bridges. Bruton was able to see the completion of the project before his death.

Stephen Bruton

Renowned, Texas musician, Stephen Bruton had a long and distinguished career as a musician, songwriter and producer. He released five records as a solo artist, the last three for the New West Records label. As a lead guitar player Bruton was in high demand among legendary contemporaries including Kris Kristofferson and Bonnie Raitt. He recorded with Delbert McClinton, T Bone Burnett, Elvis Costello, Carly Simon, The Wallflowers, Sonny Landreth, Peter Case, Ray Wylie Hubbard and a slew of others. He produced records for Alejandro Escovedo, Marcia Ball and Jimmie Dale Gilmore to name a few. Bruton's songs have been widely covered as well, by artists including Raitt, Kristofferson, Willie Nelson, Jimmy Buffett, Johnny Cash, Waylon Jennings, Martina McBride and Patty Loveless.

Tracklist

Hold On You ( Performed by Jeff Bridges

Hello Trouble Performed by Buck Owens

My Baby’s Gone Performed by The Louvin Brothers

Somebody Else ( Performed by Jeff Bridges

I Don’t Know Performed by Ryan Bingham

Fallin’ & Flyin’ Performed by Jeff Bridges

I Don’t Know Performed by Jeff Bridges

Once A Gambler Performed By Lightnin’ Hopkins

Are You Sure Hank Done It This Way Performed by Waylon Jennings

Fallin’ & Flyin’ Performed by Colin Farrell & Jeff Bridges

Gone, Gone, Gone ( Performed by Colin Farrell

If I Needed You Performed by Townes Van Zandt

Reflecting Light Performed by Sam Phillips

Live Forever Performed by Robert Duvall

Brand New Angel Performed by Jeff Bridges

The Weary Kind (Theme From Crazy Heart) Performed by Ryan Bingham

Richard Galliano Concerto Solo Valenza 5/3 e Torino 6/3

2010-03-05T06:28:00.000-08:00

Erede diretto di Astor Piazzolla, Richard Galliano interpreta, compone ed orchestra una musica derivata dal genere “musette”, nella quale si mescolano in modo apparentemente casuale reminiscenze swing, marcati echi di tango (grazie alla fondamentale lezione del grande maestro, con il quale Galliano ha approfondito sia il suo già notevolissimo bagaglio tecnico, sia gli studi armonici e di composizione, e con il quale ha anche inciso un fortunato CD), giri di valzer dei bistrot parigini, ballads di Bill Evans, improvvisazioni di Keith Jarrett e la lezione nera di Parker e Coltrane. Il tutto con un compiaciuto gusto cromatico che riporta alla migliore tradizione francese, da Couperin a Debussy e soprattutto a Ravel. Galliano, francese della Costa Azzurra ma di chiare origini italiane, assurto in pochissimi anni ai vertici mondiali del jazz, è il principale artefice del rilancio a tutto campo della fisarmonica quale strumento dalle innumerevoli capacità espressive. I grandi meriti di Galliano sono dunque l'originalità, l'avere saputo cioé sintetizzare tutte queste esperienze musicali in una nuova musica europea, fatta di improvvisazione jazzistica e di tradizione mediterranea, e l'avere consentito alla fisarmonica (nella sua variante francese a tasti, l'accordeon) ed al bandonéon di assurgere al ruolo di protagonisti nello scenario jazzistico contemporaneo; strumenti scomodi che hanno avuto spesso vita difficile nel jazz e nella musica colta. Ed è proprio nelle esibizioni in solo che Galliano riesce ad emozionare maggiormente il pubblico: nelle sue mani la fisarmonica acquista ora la policromia di un’orchestra, ora il raccolto timbro di un intimismo di natura cameristica

Per informazioni:
Associazione Culturale Centro Jazz Torino
Via Pomba 4 - 10123 Torino
Tel. ++39 011/884477
Fax ++39 011/8122345
Email: centrojazz@centrojazztorino.it

"The story of a painter, a musician, a composer, an artist; music has never been as close to a pictorial work of art as the music of Richard Galliano. The maestro now stands in front of the white canvas, at the Foyer du Theatre du Châtelet..."

Theatre du Châtelet. The temple of Parisian music, just a short walk from the bakns of the Seine. There, in front of his audience, Richard Galliano makes his entrance with only the accordion. Double the responsibility yet double the joy to play in front of his own people.

A festive maze of sounds, that touches the form : jazz, tango French song...waills of blues emerge from the folds of his accordion. Travelling with his compositions, the ones that brought him to perform on stage throughout the world, without forgetting those of Astor Piazzolla, who he has always loved and celebrated in his own way. Yes, because Galliano knows how to shape the material to himself : the teaching of the composer from Mar de La Plata are well visible, but as a starting point, not as a landing place.

Moving, never taking for granted the solutions, always at the service of the melody and the rhythm - principle elements of dance - very attentive to the depth and the form; because, like few artists, Galliano joins technical skill and syntactical knowledge of the music from the 1900s with an uncommon emotionality.

Chat Pitre opens the album, one of the most beautiful pieces written by this accordion player from Cannes, and is followed by Gnossienne 1 and Gnossienne 2 by Erik Satie.

But there is a lot of Italy in his latest "Paris Concert", and not only for the italian label, Cam Jazz, that has realeased this work ( for which Galliano had already recorded the beautiful "L'Hymne à l' Amour", inviting vibraphonist Gary Burton ), but also for his tribute to a very popular Italian song, Caruso, which brought worlwide fame to Lucio Dalla.

And then "Round Midnight" by Thelonius Monk, an artist that Galliano is particularly attached and to whom he has rendered homage many times during his career: a version thought out in absolute respect for the Monkian concept.

If, as Virginia Woolfs writes, in solitude we give passionate attention to our lives, to our memories and the details around us, then this solo album gifts us with a Galliano in his most profound essence, as artist and as a man".

Martedi 16 febbraio - Andras Schiff al conservatorio di Milano

2010-02-16T07:45:00.001-08:00

In mezzo a tanto Chopin, András Schiff, interpreta l'altro grande poeta romantico del pianoforte, Robert Schumann, del quale ricorre l'anniversario della nascita. Un pianista di classe come Schiff non poteva che disegnare un ritratto originale e completo di Schumann, mettendo in luce gli aspetti essenziali della sua personalità musicale attraverso una scelta meno convenzionale dei suoi lavori. La religione romantica della natura, la disciplina della forma, la libertà del linguaggio espressivo sono temi costanti della musica di Schumann e Schiff li mette bene in evidenza in questo programma. Le Geistervariationen, punto d'arrivo di questo percorso, rappresentano la testimonianza toccante della disperata lotta dell'ultimo Schumann contro il buio spirituale, nel quale la sua mente stava sprofondando irrimediabilmente.

Ricordiamo che durante la serata sara' possibile acquistare direttamente al conservatorio i seguenti cds

ANDRAS SCHIFF & PETER SERKIN Music For Two Pianos
JULIANE BANSE & ANDRAS SCHIFF Songs Of Debussy & Mozart
ANDRAS SCHIFF In Concert
ANDRAS SCHIFF Goldberg Variations
ANDRAS SCHIFF Beethoven Piano Son.Vol.1
ANDRAS SCHIFF The Piano Sonatas Vol.2
ANDRAS SCHIFF L.V.Beethoven Pia.Son.V.3
ANDRAS SCHIFF L.V.Beethoven Piano Vol.4
ANDRAS SCHIFF Beethoven Piano Son.Vol.5
ANDRAS SCHIFF Beethoven Piano Sonatas
ANDRAS SCHIFF L.V.Beethoven Piano Vol.7
ANDRAS SCHIFF L.V.Beethoven Piano Vol.8
ANDRAS SCHIFF J.S.Bach Six Partitas

17 - 18 Ottobre - Sintonie

2009-10-13T14:58:00.000-07:00

Anche quest'anno saremo presenti a Sintonie 2009.

Durante la manifestazione sara' possibile acquistare il bellissimo nuovo cd di Mile Melillo - Il Mio Giardino.

Nel week-end tra il 17 e 18 ottobre torna a Lanciano (CH),"Sintonie" la rassegna nazionale di alta fedeltà e musica live: un evento organizzato da Aspam (Associazione Sintonie per le promozione dell'Alta fedeltà e della Musica) con la compartecipazione della Regione Abruzzo e con lo storico negozio Angelucci Hi Fi di Castel Frentano CH. La mostra giunge alla 12à edizione e da diversi anni è divenuta dopo il Top Audio & Video Show di Milano, la più importante in Italia tra le manifestazioni del settore del 2 canali. Saranno presenti, tra spazi e sale d’ascolto, più di 45 espositori. Un punto d’incontro per tutti gli appassionati dove confrontare la musica riprodotta, su vinile, cd e sacd, in 20 sale dimostrative. Oltre alle sale d’ascolto saranno a disposizione più di 20 spazi espositivi per la vendita di vinile, cd, libri, riviste e accessori hi-fi. Si segnala la presenza anche di incontri e seminari, come quelli che saranno tenuti da Pierè Bolduc e Giulio Cesare Ricci, sui media musicali e sulla riproduzione. Sabato 17 ottobre, ci sarà l'esibizione di Antonio Forcione accompagnato da Raffello Pareti.

SABATO 17 OTTOBRE CONCERTO LIVE
ANTONIO FORCIONE (duo)

Antonio Forcione, acustic guitar
Raffaello Pareti, contrabbasso

Un inedito duo per un'intrigante performance. Antonio Forcione, considerato come uno dei più carismatici e creativi chitarristi venuti alla ribalta in Europa negli ultimi anni , “meets” Raffaello Pareti, validissimo contrabbassista ed apprezzato compositore, per molti anni al fianco di Stefano Bollani e Antonello Salis. Molti gli elementi che accomunano i due musicisti; la musica prodotta da entrambi con i rispettivi progetti è una mirabile miscela di delicatezza, humour e passione (vedi allegati). Forcione, già protagonista di un bellissimo cd in duo con Charlie Haden (Heartplay, 2006), unisce all'uso percussivo della chitarra una straordinaria capacità di invenzione melodica e Pareti è musicista creativo, pronto al dialogo e con grandi capacità di sostegno. Questo incontro è un'occasione per vederli insieme in un concerto che si preannuncia intenso ed imprevedibile. Da non perdere!.

Oumou Sangare – Seya Italian Tour

2009-08-26T01:41:00.000-07:00

In occasione della realizzazione del nuovo cd Seya avremo la possibilita' di ammirare dal vivo questa grandissima artista del Mali. Le dato sono :

11/09/2009 - Roma - Auditorium Parco Della Musica dove sara' possibile acquistare il cd presos lo store dell'auditorium

12/09/2009 - Acquaviva (Siena) - Acquaviva Rock Festival Dove sara' possibile acquistare il cd presso il nostro stand

Seya (“Gioia”) è il nuovo album, il primo in sei anni, della “Stella delle stelle del Mali” e riafferma con forza la sua posizione come una delle più grandi cantanti africane e come vero fenomeno della scena musicale e culturale africana contemporanea. Dai tempi del suo debutto Moussoulou, l’album che l’ha proiettata ai vertici della popolarità in patria nel 1989, Oumou ha saputo conquistarsi un ruolo di primissimo piano sulla scena internazionale, ed è oggi reputata tra gli artisti più ammirati e influenti dell’Africa occidentale. Adorata dal suo pubblico, Oumou Sangare è la cantante più popolare del Mali e, con Salif Keita, è l’artista più conosciuta e commercialmente rilevante del suo paese. Un primato davvero importante, se si considera che il Mali ha dominato per anni la cosiddetta scena “world” internazionale con stelle di prima grandezza come Amadou & Mariam, Toumani Diabaté, Bassekou Kouyate, Rokia Traoré e l’indimenticabile Ali Farka Touré.

Ricordiamo che il cd
- Oumou Sangare – Seya Arrangiata dal più noto produttore Maliano, Cheikh Tidiane Seck, Oumou si avvale dela collaborazione di Benego Diakite, Massambou Wele Diallo, Mogo Kele, Neba Solo, e Magic Malik.

può essere acquistato on line presso www.moonlightrecords.com

"Her first album in five years combines modernity and tradition with seamless verse"

Observer

"If Seya is her response, it is a mesterly one"

Financial Times

"She's duetted with Alicia Keys, Dee Dee Bridgewater and Me'shell Ndegeocello. She gets mobbed, petioned, praised and pursued by fans the world over."

The Indipendent

"This is Sangare's first new album in six years, and she'll still in confident, impressive form ( 4 stars)"

The Guardian

"Seya is a massive album of 11 big-hitting tracks that leaves the listener breathless"

Songlines

"Does the world need another Aumou Sangare Album ? It most certainly does"

Daily Telegraph

Oumou Sangare was born in Bamako, Mali in 1969. When Oumou was two years old, her father took a second wife and emigrated to Côte d’Ivoire, leaving Oumou’s mother, who was pregnant at the time, and their three small children. The struggle to keep the family afloat was the backdrop to Oumou’s childhood. Oumou's mother was a singer and her main source of income was the ‘sumu’ (wedding and baptism celebrations organised by women) or 'street parties' as Oumou calls them.

"My mother's still a fighter" says Oumou. “She brought up six children on her own, with no money. Sometimes all she could find to feed us with was wild herbs.” Oumou accompanied her mother to the sumus from the age of five, and very soon was in demand in her own right. She thrilled in the atmosphere of these parties, fired in equal measure by her passion for the music and by her desire to help her mother out by earning a little extra cash.

By the age of thirteen Oumou had become the family breadwinner. “That’s what has given me strength in my life. It was a very hard childhood and it gave me an incredible character. I can face up to any obstacle”.

“At the age of eighteen, Lamine Sidibe, the director of Mali’s Instrumental Ensemble, spotted me singing in the street. After that, I joined Bamba Dembélé’s ‘Djoliba Percussion’ band (which also included a young Toumani Diabaté), and went with them on a European tour. I was the youngest singer in the troupe but I managed to make a niche for myself. On stage, the audience would be asking for more. That’s how I learned to have confidence in myself. I was singing songs from Coumba Sidibé’s repertoire.” Oumou credits Coumba Sidibé, Wassoulou’s famous female singer of the 70s and 80s, for teaching her the values of purity, simplicity and vocal freshness.

Oumou's mother is from Wassoulou, the remote forest region in the south of Mali which boasts a rich and distinctive culture. For hundreds of years, until the beginning of the 20th century with French colonial rule, it was Mali’s Wassoulou hunters who were the protectors of the villages, the providers of food, and the healers. Still today they occupy a special place deep in the Malian psyche. Their music, played on a special six string harp, is believed to have magic powers that can protect hunters and tame even the most dangerous of animals. Wassoulou hunters’ music was very different from the prevailing griot-based music of the dance bands. It had strong, hypnotic dance rhythms and in contrast to the Mandé griots, whose lyrics focus more on the wealthy and the powerful, Wassoulou the lyrics talk about more general aspects of life. Oumou’s vision from the outset was to bring the power and charm of this music into her own songs.

“When I got back to Bamako I formed my own band, with a flute-player, a percussionist and a kamele ngoni (youth’s harp) player. Then I appeared on ORTM (the national Malian Radio and Television Broadcasting Authority). The next day, an admirer sent me a brand new Yamaha Dan motorbike! That gave me the confidence to keep singing and follow my path”

Around this time she came into contact with the bass player and arranger Ahmadou Ba Guindo, leader of the legendary National Badema dance band which played traditional music on modern instruments. (Following his death in a car accident in 1991, Oumou paid tribute to Ahmadou Ba Guindo in the magnificent ‘Saa Magni’, which features on her album Ko Sira (‘Modern Marriage’), released by World Circuit in 1993). Ahmadou gathered a group of musicians around Oumou including Aliou Traore who played western violin (and who had studied music in Havana, Cuba as a cultural exchange student) and the guitarist, Boubacar Diallo, who had also played in the National Badema. At the core of the group was a young Wassoulou kamele ngoni player named ‘Benego’ Brehima Diakite who has remained Oumou's main musical collaborator to this day. Oumou believes that “Today Benego is really the best player in the world, even of all time.”

In 1989, after some persuasion – wary of the pitfalls that could await her if the album was not successful -, she recorded her first album Moussoulou (‘Women’). It was recorded in Abidjan with arrangements by Ahmadou Ba Guindo and released on the 4th of January 1990, and it took West Africa by storm. She was 21 years old. Her songs talked openly about subjects that no one had dared express before in public in this fundamentally conservative society and caused endless debate amongst the Malian population. The album's messages were powerful - encouraging women to seek personal freedom to be themselves and have dignity, warning against the wrongs of polygamy and forced marriage and even covered the taboo subject of female sensuality, such as in her stunning hit song “Diaraby Nene” (the Shivers of Passion).

This was all the more remarkable because of her chosen idiom - a slightly modernized version of the traditional, rural music of the enigmatic and mysterious Wassoulou hunters, delivered with a funk-driven pulse. The true impact of ‘Moussoulou’ is still hard to gauge. The release of this cassette with its striking, deceptively simple and direct sound rocketed the previously unknown Oumou Sangare to huge fame and notoriety and its unprecedented success meant it provided a non-stop, all-enveloping soundtrack to Bamako's homes, markets, shops, cars and buses.

The cassette was brought to the attention of Nick Gold of World Circuit Records by Ali Farka Touré, and Gold witnessed the phenomenon during a trip to Bamako in 1991. "You couldn't escape that music. And you didn't want to. It was everywhere. As soon as you left a café where they were playing it, the baton was taken up by a passing car and then the next market stall. I spent that week in Bamako hearing Oumou wherever I went. And I mean EVERYWHERE."

Later that year World Circuit released ‘Moussoulou’ internationally to great acclaim and she has continued to record for the label ever since. Oumou has enjoyed a long and illustrious career, touring internationally and becoming recognised as the greatest female African star of her generation. She is known as the “songbird of Wassoulou” and an ambassador for the music of Mali, quite an achievement for an output of just five extraordinary albums in a twenty-year career.

Through records like ‘Ko Sira’ and ‘Worotan’ (meaning 10 kola nuts – the price given by a groom’s parents in exchange for a bride), Oumou has continued to sing about the issues close to her heart, encouraging better conditions for women in society. After becoming a mother herself, she also focuses on her desire to defend children who are in difficult circumstances.

During the last twenty years she has noticed a lot of changes. “Mali has developed considerably. Today, the female population outnumbers the male. Women now play a greater role in Mali’s development. It is hard for a country to move forward without its women. We have to have freedom of speech, the freedom to express ones self, to love and to choose a husband. Democracy is working. The people of Mali are free. As an artist, I am also free to say what I think.”

She fights fiercely against female circumcision. “I think the country has made progress regarding female circumcision. When it was decided to abolish the practice, people were singing in the streets. The law is respected now. I think people are aware of the problems it causes. And I opened the way, to a certain extent. A lot of people now ask me for advice. The women of Mali and other African countries still continue the fight. I’ve shown them what they can do. I always encourage them, and I provide an example. I’ve sung hard to support them. My fight has always been positive, otherwise I would have quickly been discouraged. And I get a lot of support these days: ‘We’re with you!’”

At home in Bamako, where Oumou has remained very close to her audience, greeted and recognised wherever she goes, there is an air of natural sincerity about her that is completely genuine. “I feel relaxed here, I don’t need security. I’m friends with everyone. People are always stopping me for a chat. My fans look after me,” she explains, laughing, as if to ward off the inaccessible image of a star of her calibre. “I’m not allowed to make mistakes here in Mali. It’s what dictates my career abroad. It’s also why I take my own sweet time. I once sang on the soundtrack to Oprah’s film ‘Beloved’. That gave me some ideas. I would love to make a film. I’d like to play the kind of woman that would set a good example. It would be a childhood dream taken care of, for me.”

Although she may have a superstar status at home, she never forgets where she came from, or the virtues of a humble background. In October 2003 she was appointed as global Ambassadress of the Food and Agriculture Organisation of the United Nations (FAO), a role that forms part of the FAO’s struggle against famine. She also plays an active role in Mali’s Mother and Children Association, donating millet, milk and rice to mothers in need. She believes it is the duty for those who are ‘born under a lucky star’ to provide for others less fortunate than them.

In recent years she has been focusing on setting up in business. The Hotel Wassulu was built in response to the Malian government’s appeal to provide more hotel accommodation for visitors to the Africa (football) Cup of Nations, which was hosted in Bamako in 2002. However, Oumou also finds it useful for accommodating the large groups of visitors and friends from abroad that she meets on her travels, from New York to Paris. “I gave it that name because I wanted Wassoulou to be engraved in the memory of all Malians and it made me proud to be able to help create jobs for people”

Oumou created an initiative in 2006 to import cars from China. “I make the most of my fame. My name sells things. With Oum Sang, I launched my own brand of car. The President of Mali was so pleased that he even came to a special opening ceremony of the car showroom to cut the ribbon!”

In the Bamako market places, you can even find ‘Oumou Sangaré Rice’. I don’t make any money out of it, but I help make sales of Malian rice. People like to have my name on the things they need. I’ve also got my own farm in Baguineda, near the river, about forty kilometres from Bamako. The main crops are oranges, mandarins and a lot of maize.

But her business activities don’t stop her from singing. This naturally energetic woman is sometimes away performing for three months without a break. She appears almost all over Africa, from Morocco to South Africa, by way of Nigeria and Burkina Faso. And when she’s at home in Bamako, if she’s not being asked to perform at private ceremonies, she’ll be found singing at the Hotel Wassulu at the weekends. Oumou also continues to perform at selected dates around the world.

In 2003 she promoted the release of the 2CD collection simply titled ‘Oumou’, a retrospective look at her career to date. The album features 12 of the best tracks from her first three World Circuit albums, plus 8 tracks previously unreleased on CD (including 6 tracks from the best-selling Mali cassette ‘Laban’). The tour included an incredible performance at WOMAD that was hailed by critics as one of the best in the festival’s history.

2004 found her performing at “Global Divas” in a show that also featured Tracey Chapman at the Hollywood Bowl in the US. That year was rounded off with an amazing, live duet on French TV with the multi-Grammy winning R&B superstar Alicia Keys. This year she is invited to perform at Harvard University’s celebrations to mark the 60th year since the Universal Declaration of Human Rights. In 2009, as well as headlining at the Segou festival in Mali, she will be coming to Europe for a series of dates.

On stage her natural presence, huge charisma, irrepressible energy and joie de vivre is very much in evidence. Yet it’s her voice that holds you spellbound. “Here in Mali, everyone knows the way instruments sound naturally. And singing, for me, is a natural truth. I’ve always known how to manipulate my voice. It’s still the same after twenty years, even if I’ve often sung too much in my life, sometimes going on tour for two or three months without a break.”

Oumou’s latest album “Seya”,(Joy) released in 2009,has taken around two or three years to come to fruition. “I choose my songs very carefully. I learn how to put them across first on the stage.” Her music is bold, seductive, funky and vibrant, but it’s her lyrics that open people’s eyes. “For me, the lyrics are more important than the melody. I write almost all my own words. I also perform the classics of Malian tradition. I draw a lot of inspiration from what happens in society. As soon as I see or feel something, I write it down. I say what I want, and what I think, because I am a free woman. I believe that my music has had an impact on the life of African women.” “It’s true that when I sing it’s joyful but in amongst that joy I always take the opportunity to slip in messages that educate my nation.”

Oumou continues the battle to encourage equality between men and women and sings about universal themes in life such as love, death, destiny, respect for each other, hope and harmony, not forgetting a couple of light-hearted tunes about the fun things in life. “The track ‘Seya’ is about a girl who has a good time. She brings joy. It’s dedicated to my tailors and my stylists and those that dye the cloth. I wanted to show the courage of Malian women. They radiate every colour on this earth. I go to them for my hand-printed outfits in ‘bazin’ and ‘tissu wax’ fabrics. I give a lot of my clothes away, I don’t keep them.” Which explains why you hardly ever see Oumou in the same outfit twice.

Standing almost six foot tall, she is an elegant and feminine woman, sure of her taste and with a huge love of fashion. In one day, Oumou might change her look several times. She delights in surprising people, one moment the American R&B star, the next a dynamic businesswoman, or then again a real Malian diva in her traditional boubou. She bursts out laughing. “I possess the art of metamorphosis. In a boubou or in jeans, I’m unrecognisable.”

An icon and role model for modern women she is both keen to encourage and embrace new ideas through her music whilst at the time she holds a deep respect for tradition and those who came before her. In the late 1990s she sought out the reclusive Wassoulou music innovator Alatta Brouleye. It was Brouleye who provided the instrument that propelled Wassoulou music to its initial urban popularity with his creation of the kamelngoni in the 1960s. The instrument was an adaptation of the traditional donso ngoni and it became known as the youth's harp because of its popularity with the young and such was its break with tradition that it was initially banned in Wassoulou villages by the elder hunters. Oumou managed to persuade Brouleye into a Bamako studio in 1998 to record his only cassette shortly before he died. On the track 'Donso' on her latest album 'Seya' she uses the traditional donso ngoni in a song that pays tribute to her father with whom she was finally reconciled in 2002 on his return to Bamako.

Oumou is an artist who is proud of her country and its diverse cultures, now recognised and appreciated throughout the world. “Mali is a country of oral tradition, which explains why music and society here are part of each other. The 32 different ethnic groups here each have their own well-developed culture. They don’t need each other to make good music, even though cross-fertilisation is always good. There should still be a lot more recognition for Malian music. I deeply respect each individual artist in Mali. Our potential is incredible. Mali and its music embody the symbol of a free and victorious Africa.”

Milano 17 luglio 2009 - Jan Garbarek presents : Ufficium

2009-07-17T00:56:00.000-07:00

Jan Garbarek, sassofonista e compositore norvegese, è considerato oggi uno dei maggiori interpreti nel campo del jazz, della musica classica e della world music. Seguace della prima ora del free jazz di Albert Ayler e Peter Brötzmann, nel 1973 voltò le spalle alle aspre dissonanze del jazz d'avanguardia. Nel 2005, l'album In Praise of Dreams ha ottenuto la nomina per il Grammy Award.

Ricordiamo che è possibile acquistare i cd di Jan Garbarek presso il negozio on line www.moonlightrecords.com

http://www.milanojazzinfestival.it/MediaCenter/FE/media/jan-garbareck.html

Lodi 16 Maggio 2009 Gianluigi Trovesi Umberto Petrin Fulvio Maras in Vaghissimo Ritratto

2009-05-15T07:45:00.000-07:00

Vaghissimo ritratto significa un bellissimo quadro, un'impressione vaga, un'immagine somigliante. Questo progetto di "improvvisazione da camera" ideato da Gianluigi Trovesi introduce ad un trio che combina graziose melodie a ritratti musicali d'ogni possibile provenienza: Palestrina, Orlando di Lasso, Monteverdi, Josquin Des Prés, Jacques Brel, il cantautore Luigi Tenco, come del resto brani dei membri del gruppo, improvvisazioni spontanee e collettive. Qui è offerto e coperto uno spettro eccezionalmente vasto, che costituisce sia un viaggio attraverso la melodia nella musica d'arte occidentale quanto un'analisi dell'alto artigianato del compositore di canzoni in un ambito allargato.

La prima ideazione del progetto risale nel 2001 quando Gianluigi Trovesi e il pianista Umberto Petrin furono invitati a suonare in occasione del 100° anniversario della morte di Alfredo Piatti, violoncellista-compositore di Bergamo amato da F. Liszt e F. Mendelssohn. Le decostruzioni delle melodie di Piatti fecero scaturire idee per un fresco e inedito progetto, in seguito prodotto e pubblicato nel 2007 dall'etichetta tedesca ECM. L'aggiunta al gruppo delle percussioni ed elaborazioni elettroniche di Fulvio Maras, crea particolari atmosfere attorno al gioco di clarinetto e pianoforte, valorizzandone l'interazione e suggerendo relazioni all'interno di un repertorio certamente a vasto raggio. Questi "incontri" con il fantasma di Piatti - talvolta appena pallidamente distinguibile attraverso il prisma del loro improvvisare - si svolgono lungo il filo rosso di un album che contiene sia il più affascinante Trovesi degli ultimi tempi ma che si assume il merito del debutto di Petrin su ECM.

Certamente riconosciuto come una delle più importanti figure nell'ambito dell'improvvisazione europea, Gianluigi Trovesi arriva all'ECM tramite l'Italian Instabile Orchestra e il cd "Skies of Europe", per poi realizzarne altri tre: due in accoppiata con il fisarmonicista Gianni Coscia - "In cerca di cibo" e "Round About Weil" - e uno alla testa del proprio Ottetto con "Fugace". Significativa è stata anche la partecipazione al progetto "Charmemediterranéen" con la ONJ diretta da Paolo Damiani.

Umberto Petrin fa parte dal 1997, insieme a Trovasi, dell'Italian Instabile Orchestra in veste di pianista ed in sostituzione di Giorgio Gaslini: Umberto Petrin è ben conosciuto come poeta ed è nota la sua vicinanza con il mondo delle arti visive. Naturalmente lo è ancor più come "poetico" pianista e compositore. Molto popolare è la sua attività a fianco di Stefano Benni, scrittore, e di Giuseppe Cederna, attore. Ha pubblicato diversi contributi su importanti riviste letterarie e ha lavorato con molti dei più importanti musicisti italiani ed internazionali, tra i quali: Steve Lacy, Lee Konitz, Tim Berne, Paul Rutherford e molti altri ancora. Il suo mondo musicale è stato influenzato da A. Skrjabin da un lato e da Thelonious Monk dall'altro: di conseguenza è profonda la consapevolezza del rapporto colore/suono quanto delle possibilità espressive del ritmo.

Fulvio Maras ha suonato e registrato con importanti figure del jazz italiano come Giancarlo Schiaffini, Paolo Damiani, e Bruno Tommaso oltre, naturalmente, Gianluigi Trovesi. Sul lato internazionale ha dato concerti con musicisti del calibro di Ralph Towner, Pierre Favre e Kenny Wheeler. Ha lavorato in ambito jazz, orchestrale, world music, musica per il teatro e contesti pop avendo ampie possibilità espressive sia come percussionista sia come manipolatore di effetti elettronici.

Riconoscimenti: oltre ad un ampio successo di pubblico, il disco "Vaghissimo Ritratto" è stato premiato come miglior disco dell'anno dalla rivisita "Classic Voice", ha vinto il premio della critica discografica tedesca "Preis der Deutschen Schallplatten Kritik", ha ricevuto onoreficenze dal Ministero della Cultura e Comunicazione della Repubblica Francese.

14/05/2009 - Roberto Gatto Live al Vicenza Jazz Festival

2009-05-14T07:12:00.000-07:00

Da una presentazione di Ernesto Assante in occasione dei trent'anni di carriera festeggiati alla Casa del Jazz:

Una batteria.Sembra poco,ma può essere tantissimo.Non tanto perchè Roberto Gatto,seduto dietro ai suoi tamburi,ha saputo viaggiare per il mondo dei suoni come pochi,pochissimi altri hanno saputo fare,ma sopratutto perchè non è solo di ritmo,di percussioni,di battiti che si tratta.
E forse non si tratta nemmeno solo di musica.Roberto Gatto è, infatti un esploratore,un"ragazzo"di quarantasette anni che ha pensato di trasformare il suo strumento in una macchina in grado di muoversi nel tempo e nello spazio.No,non stiamo esagerando,perche Roberto,partendo dalla batteria,dal ritmo,dal battito,è andato altrove,è riuscito a superare le strette gabbie dei generi e degli stili,e ha messo a disposizione il suo talento per aiutare quello degli altri, ha scritto, raccontato, sperimentato, visto, vissuto la musica in prima persona. E'partito dal jazz ma ha scoperto tutta la musica,quella più raffinata e intransigente, quella più leggera e cantabile, ma non ha avuto il timore di mescolare le sue bacchette e la sua testa pensante a quella di molti musicisti e molto diversi tra loro. Ma non basta, perchè non sono i compagni di viaggio ad aver fatto grande Roberto Gatto, ma il suo modo di essere musicista. Non è una star, non ha atteggiamenti da primadonna, ma sa essere allo stesso tempo sideman e bandleader, sa insegnare e ascoltare, non si confonde con quelli che trasformano la musica in circo,ma allo stesso tempo sa divertire e divertirsi con grande entusiasmo. Celebrare la sua arte e il suo ingegno, raccontare, attraverso la musica la sua storia, è una straordinaria occasione e non va perduta. Perchè, ed è questo il bello, Roberto Gatto merita una sola definizione, quella che calza a pennello su tutta la sua storia: artista.

Ricordiamo che in occasione del concerto di questa sera, ( per chi non può esserci è possibile ordinarli on line c/o www.moonlightrecords.com ) sara' possibile acquistare i seguenti cd :

VPA 225 F.D'ANDREA/G.TOMMASO/R.GATTO Kick Off
344-2 S.BATTAGLIA/P.DALLA PORTA/GATTO Confession
VPA 252 F.D'ANDREA/G.TOMMASO/R.GATTO Airegin
W 0064 RAVA/PIERANUNZI/PIETROPAOLI & GATTO Bella
404-2 ESO (FRESU/TROVESI/GATTO) Same
448-2 HEART LAKE (ROBERTO GATTO) Same
471-2 S.BATTAGLIA/P.DALLA PORTA/R.GATTO Unknown Flames
W 0138 F.ZEPPETELLA/E.BEX & R.GATTO Tribute To Wes Montgomery
676-2 A.FARIAS/F.DE CRESCENZO/R.GATTO Free Hands
682-2 M.PIACENTINI/P.LEVERATTO/R.GATTO Le Note Di San Lorenzo
VVJ 019 ROBERTO GATTO QUINTET Sing Sing Sing
VVJ 015 ROBERTO GATTO "7"
W 0505 LEE KONITZ & ROBERTO GATTO A Day In Florence
CAM007760 ROBERTO GATTO QUINTET Deep
CAM007747 ROBERTO GATTO Plays Rugantino
CAM007798 ROBERTO GATTO Traps
W 0336 STEFANO BOLLANI/ROBERTO GATTO Gershwin & More Live !

Buon Concerto a tutti.

13/05/2009 - Vicenza Jazz : 3 Volte Bollani

2009-05-13T03:10:00.000-07:00

Celebre ormai anche come intrattenitore televisivo e radiofonico, nonché come scrittore, Stefano Bollani (nato a Milano nel 1972 ma toscano d’adozione) non fa che estendere in questi ambiti quel gusto per la narrazione e la battuta sagace che si ritrova anche nella sua musica. Questa procede infatti come una narrazione romanzesca, nella quale la tensione è stemperata nella vivacità più sfrenata, la malinconia nel frammento umoristico. Ciò avviene sia nella dimensione del piano solo, un irresistibile e tecnicamente virtuosistico tet a tet col pubblico, che in quella degli incontri in duo con altri solisti (a Vicenza con un personaggio particolarissimo come Irene Grandi) o dei suoi gruppi più ampi, come il quintetto I Visionari. Nella musica di Bollani fluttuano citazioni musicali eterogenee, in un divertissement tra jazz, classica, canzone italiana e rimandi popolari. Insomma, una musica che si muove come un equilibrista su un filo, intessuto al contempo di serietà e ironia.

Ricordiamo che durante la serata sara' possibile acquistare i seguenti cd di Stefano Bollani : ( Anche on linw al sito www.moonlightrecords.com )

STEFANO BOLLANI & ARES TAVOLAZZI Mambo Italiano
STEFANO BOLLANI & FRANCO D'ANDREA The Macerata Concert
STEFANO BOLLANI L'Orchestra Del Titanic
STEFANO BOLLANI & ORCH.TITANIC Il Cielo Da Quaggiu'
STEFANO BOLLANI Les Fleurs Bleues
STEFANO BOLLANI & LUIGI TESSAROLLO Homage B.Evans & Jim Hall
ENRICO RAVA & STEFANO BOLLANI Montreal Diary/A
ENRICO RAVA & STEFANO BOLLANI Montreal Diary/B
LEE KONITZ & STEFANO BOLLANI Suite For Paolo
STEFANO BOLLANI Smat Smat
STEFANO BOLLANI Concertone
STEFANO BOLLANI QUINTET I Visionari
STEFANO BOLLANI & ROBERTO GATTO Gershwin & More...Live!
STEFANO BOLLANI Piano Solo
ENRICO RAVA-Bollani - Easy Living
E.RAVA/S.BOLLANI/P.MOTIAN Tati
ENRICO RAVA/STEFANO BOLLANI The Third Man
ENRICO RAVA FEAT.S.BOLLANI/M.TURNER New York Days
STEFANO BOLLANI E I SUOI VISIONARI

12/05/2009 - Dave Holland Live

2009-05-12T05:57:00.000-07:00

Martedì 12 Maggio
Auditorium Canneti - Vicenza
Dave Holland Quartet

Il quartetto di Dave Holland (Wolverhampton, 1946) altro non è che un’edizione ‘abbreviata’ del quintetto del contrabbassista inglese, ovvero di uno dei gruppi più longevi e dei sodalizi artistici che meglio definiscono le frontiere ‘alte’ del jazz contemporaneo. Cresciuto musicalmente in compagnia di altri celebri jazzisti europei (Kenny Wheeler, John Surman, John Taylor), Holland impresse una nuova direzione alla sua carriera trasferendosi negli Stati Uniti, dove entrò a far parte del gruppo elettrico di Miles Davis, assieme al quale registrò diversi album (inclusi gli epocali In a Silent Way e Bitches Brew). Poi fu anche al fianco di Stan Getz e Thelonious Monk. Ma negli ultimi tre decenni, a parte collaborazioni sempre prestigiose (come quella con Sam Rivers), Holland si è dedicato soprattutto a sviluppare la propria musica, giungendo alle sue attuali proposte ritmicamente poliedriche e visionarie.

Ricordiamo che durante la serata sara' possibile acquistare presso il nostro stand ( oppure on line all'indirizzo www.moonlightrecords.com ) i seguenti cd

DAVE HOLLAND TRIO Triplicate
DAVE HOLLAND QUARTET Conference Of The Birds
DAVE HOLLAND QUINTET The Razor's Edge
DAVE HOLLAND Life Cycle
DAVE HOLLAND QUARTET Extensions
DAVE HOLLAND QUINTET Jumpin'In
DAVE HOLLAND QUINTET Seeds Of Time
DAVE HOLLAND Emerald Tears
DAVE HOLLAND QUARTET Dream Of The Elders
DAVE HOLLAND QUINTET Points Of View
DAVE HOLLAND QUINTET Prime Directive
DAVE HOLLAND QUINTET Not For Nothin'
DAVE HOLLAND BIG BAND What Goes Around
DAVE HOLLAND QUINTET Extended Play Live Birdl.
DAVE HOLLAND Selected Recordings
KARL BERGER/DAVE HOLLAND All Kinds Of Time
DAVE HOLLAND/BARRE PHILLIPS Music From Two Basses

18 Aprile 2009 - Stefano Bollani e i suoi visionari ospitano Irene Grandi

2009-04-16T06:58:00.001-07:00

C'è grande attesa in città per la terza edizione di Radio3 Infestival, la manifestazione che da tre anni richiama a Cervia radioascoltatori da ogni parte d'Italia per incontrare e conoscere i loro "beniamini delle onde radio". Dal 17 al 19 aprile, la rassegna organizzata da Radio3 Rai e dal Comune, regalerà momenti di grande emozione. Per tre giorni Radio3 si trasferisce nella suggestiva cornice della città cervese con grandi protagonisti.

Sarà una festa dei programmi della terza emittente radiofonica nazionale, tra i quali Il Terzo Anello con Ad Alta Voce, Fahrenheit, Uomini e Profeti, La Fabbrica di Polli e Radio3 Suite. Tra i moltissimi ospiti dei programmi, l'appuntamento clou della "tre giorni", sabato sera in piazza Garibaldi, è con Stefano Bollani e I Visionari, che avranno come ospite d'onore la vulcanica cantante toscana Irene Grandi. E tra gli altri saranno al Festival anche Moni Ovadia, i Batisto Coco, Massimo Cacciari, Claudio Sabelli Fioretti, i tanti conduttori dei programmi di Radio3 e grandi artisti e concertisti. In onda dal vivo sui vari palchi allestiti in tutto il centro storico di (piazza Garibaldi, Teatro Comunale, Magazzino del Sale), Radio3 ha dato appuntamento al suo pubblico per un fine settimana da trascorrere insieme, anche giocando con un torneo a eliminazione di enigmistica e indovinelli che culminerà nella premiazione di domenica 19 aprile a mezzogiorno.

Anche Moonlight Records partecipera' all'evento allestendo un piccolo banco vendita dove sara' possibile acquistare i cd di Rai Trade e della discografia di Stefano Bollani. Vi aspettiamo e sara' l'occasione per celebrare insieme il Record Store Day.

Modena - 18 febbraio 2009 - Stefano Bollani - Giovanni Sollima

2009-02-17T03:45:00.000-08:00

Stefano Bollani (pianoforte) Giovanni Sollima (violoncello)

Evento speciale al Forum Monzani Modena in collaborazione con International Music Giovanni Sollima, virtuoso violoncellista e compositore palermitano, sarà ospite dell’auditorium del Forum Monzani della Banca popolare dell’Emilia Romagna l’11 dicembre, il 21 gennaio e il 18 febbraio prossimi con una trilogia di concerti con tre produzioni originali. Gli artisti che accompagneranno il M° Sollima sono in ordine: Kaleidoskop di Berlino, Giorgia e Stefano Bollani. Tre spettacoli unici all’insegna della qualità musicale per tre serate davvero speciali. Giovanni Sollima è noto come uno dei più eclettici e creativi violoncellisti italiani, dal 1992 le sue composizioni sono eseguite dai più importanti musicisti del mondo: Filarmonica della Scala diretta da Riccardo Muti, Kremerata Baltica di Gidon Kremer, Solisti di Mosca, orchestra da camera fondata dal violinista Yuri Bashmet; solisti come Yo-Yo Ma, Mario Brunello e Bruno Canino; coreografi come Carolyn Carlson e Karole Armitage; interpreti vocali come Bob Wilson, Ruggero Raimondi ed Elisa; DJ come DJ Scanner. La sensibilità del Maestro Sollima verso diversi ambiti musicali si manifesta nelle preziose collaborazioni con registi cinematografici di altissimo livello come Wim Wenders e Peter Greenaway. A conclusione dei tre concerti modenesi ci sarà una multicolore e multiforme atmosfera creata dall’interazione con Stefano Bollani. Il pianista milanese di nascita e toscano d’adozione, vanta collaborazioni con importanti musicisti italiani e stranieri, affermandosi nell’ambito della musica jazz, specialmente grazie al sodalizio con Enrico Rava. Il duo Sollima-Bollani sembra essere una scelta artistica molto naturale da parte dei due musicisti, che hanno fatto proprio un melting pot di forme e soluzioni sonore perfette per la loro idea di musica, dando vita a cross over di generi musicali, (Sollima) generato da una parte da una visione “classica” dell’arte del suonare e del comporre, dall’altra (Bollani) da una formazione anch’essa colta ma arricchita da una conoscenza profondissima del linguaggio jazz e della tradizione della canzone italiana.

Is This The Future ?

2009-02-10T08:00:00.000-08:00

30 -01 -09 - Sacile - Enrico Rava in New York Days

2009-01-29T10:39:00.000-08:00

Moonlight Records è onorata di poter essere presente il giorno 30 gennaio 2009 a Sacile ( Pn) in occasione del concerto di Enrico Rava - New York Days. Si tratta di una prima quasi assoluta con il decano dei trombettisti italiani alle prese con nuove composizioni accompagnato da un quintetto di tutto rispetto cui spicca il nome del grande e ormai onnipresente Stefano Bollani. Dopo un cd di Trio ( Tati ) e in Duo ( The Third Mand ) questa volta i due grandi jazzisti italiani vengono accompagnati da altri tre elementi di tutto valore ossia Michael Blake al sax al posto dello sfortunato Mark Turner cui aguiriamo di riprendersi al piu' presto , Larry Grenadier al contrabbasso e Jeff Ballard che ha l'onore di rendere carne lo spirito di Paul Motian che per limiti di eta' non lascia ormai piu' gli Usa.

Musicista rigoroso e incurante delle convenzioni, Enrico Rava è il jazzista italiano più conosciuto ed apprezzato a livello internazionale. La poetica immediatamente riconoscibile, la sonorità lirica e struggente, sempre sorretta da una stupefacente freschezza d’ispirazione, risaltano fortemente in ogni sua nuova avventura musicale.
Il quintetto con cui ora egli si propone a Sacile nel tour promozionale del CD che uscirà il prossimo gennaio per la famosa casa discografica ECM è un organico ben rodato, nel quale trovano posto alcuni tra i migliori solisti che oggi calcano la scena mondiale. Stefano Bollani è il pianista del momento: versatile, creativo, divertentissimo, l’uomo più “caldo” del jazz italiano.
Completano la formazione tre dei più interessanti jazzmen statunitensi del momento, membri del trio collettivo “Fly”, le loro collaborazioni comprendono musicisti dai nomi altisonanti come Brad Mehldau, Chick Corea, Joshua Redman, Mike Stern, John Scofield, Pat Metheny e molti altri.
Il concerto di questa vera “all stars” band offrirà sensazioni difficilmente descrivibili a parole.

Ricordiamo che il durante la serata sara' possibile acquistare presso il nostro stand il nuovo cd

Enrico Rava - New York Days

25/01/2008 - Slide Hampton con un grande dolore nel cuore

2009-01-23T07:31:00.000-08:00

Abbiamo appena appreso la notizia della scomparsa di David "Fathead" Newman. Avremmo dovuto essere presenti al concerto che domenica 25 si sarebbe dovuto tenere al teatro Manzoni. Un'altra occasione x vedere dal vivo un gigante del Jazz....Purtroppo siamo arrivati tardi, ora David suonerà melodie ben piu' immense, senza quei confini che lo hanno legato in questa terra. A noi ricordarlo con il concerto di Slide Hampton. Ma il pensiero sarà tutto per lui. E noi ci saremo.

Il musicista statunitense David ''Fathead'' Newman, acclamato come uno fra i piu' grandi sassofonisti, collaboratore storico di artisti come Ray Charles e Herbie Mann, solista per Aretha Franklin e Aaron Neville, e' morto martedi' notte in un ospedale di Kingston all'eta' di 75 anni. L'annuncio della scomparsa e' stato dato oggi dal suo manager, Karen Nemman, precisando che il sassofonista soffriva di un tumore al pancreas. Nel 1990 conquisto' una nomination al Grammy Award per l'album con Art Blakey e Dr. John. Strumentista fra i piu' incisi nella storia del jazz e della musica americana, Newman ha lavorato con musicisti del calibro di Aretha Franklin, Eric Clapton, B. B. King, Average White Band, Hank Crawford, Stanley Turrentine, Aaron Neville, Queen Latifah, Natalie Cole, Little Jimmy Scott, T-Bone Walker. Fra i protagonisti del film ''Kansas City'' di Robert Altman, David ''Fathead Newman'' avrebbe dovuto esibirsi domenica 25 gennaio a Milano, unica tappa europea del suo nuovo tour: al Teatro Manzoni, in occasione della rassegna ''Aperitivo in Concerto'' , doveva presentarsi al pubblico italiano accompagnato da un fenomenale gruppo di ''tutte stelle'', in cui spiccano il leggendario sassofonista Frank Wess e il pianista Kirk Lightsey. Una settimana fa, ormai gravemente ammalato, Newman ha dovuto dare forfait ed era stato annunciato che domenica prossima sarebbe stato sostituito nella formazione ''All Stars'' dal celebre trombonista Slide Hampton.

Biography

David "Fathead" Newman, legendary saxophonist/flutist and composer who was a prominent member of the Ray Charles band in the fifties and the sixties and a renowned bandleader in his own right thereafter, passed away on January 20, 2009 in upstate New York, succumbing to the pancreatic cancer that he heroically battled for the past year. He was 75 years old.

David Newman was born in Corsicana, Texas on February 24, 1933 and soon moved with his family to Dallas, where he graduated Lincoln High School, following which he attended Jarvis Christian College where a studied theology and music on a scholarship while working in local bands. After two years of college, Newman went on the road full time with fellow Texan Red Connor's group which featured Ornette Coleman and with the band of Charlie Parker's mentor Buster Smith, playing dance halls, throughout the southwest. While on tour he met Ray Charles, who was working as a sideman with another group. The two bonded, both musically and personally and when Charles began leading his own band in 1954, he called upon Newman to join the group, beginning a twelve-year association with the organization, helping to define the Charles orchestra's sound as its star tenor soloist.

Charles was instrumental in helping Newman set out on a solo career, bringing the saxophonist to his label, Atlantic Records, leading to his debut album as a leader in 1959, Fathead: Ray Charles Presents David Newman. The date included Newman's soulful rendition of Paul Mitchell's classic "Hard Times," with which he would be identified for the rest of his life. Newman would record numerous more records as a leader for Atlantic. His versatility on saxes and flutes also made him a first call session player and his presence contributed to studio dates by the likes Aretha Franklin, B.B. King, Dr. John, Joe Cocker, The Average White Band and Garland Jeffreys, as well as jazz greats Lee Morgan, Herbie Mann and fellow Charles alumnus Hank Crawford.

In 1980, Newman, determined to pursue his own musical identity, recorded several mainstream jazz albums for the Muse label. Artists such as Cedar Walton, Jimmy Cobb, Buster Williams, Louis Hayes and other fine NY musicians, helped round out the rhythm sections. He returned to Atlantic Records in the late eighties to record several more albums for the label that started out with. One of the recordings Live at the Village Vanguard, featured Stanley Turrentine and Hank Crawford. Newman's next recordings were on Herbie Mann's Kokopelli label, a beautiful CD in tribute to Duke Ellington, titled Mr. Gentle, Mr. Cool and another that he produced, Under A Woodstock Moon, the title referring to his move to upstate New York. Newman began a productive relationship with High Note Records at the close of the 1990s, releasing an impressive series of albums, including Chillin', Keep the Spirits Singing, Davey Blue, The Gift, Song for the New Man, I Remember Brother Ray (a moving tribute to Ray Charles became the #1 Most Played Jazz Album nationwide), Cityscape, and Life. His latest album Diamondhead was released in 2008.

Newman appeared on many television shows including Saturday Night Live, David Sanborn's Night Music, David Letterman, and Michael Jackson: Thirtieth Anniversary Celebration. He appeared in Robert Altman's film Kansas City and did a national tour with the Kansas City Orchestra for Verve Records. He was portrayed by Bookeem Woodbine in the feature film Ray, the award-winning movie on the life of Ray Charles starring Jamie Foxx.

David Newman is survived by his loving wife and manager of twenty eight years, Karen Newman, four sons, seven grandchildren, three great grandchildren, an uncle and an aunt and a father-in-law who was his best friend, Izzy Goldstein

14 /01/2008 - Savina Yannatou with Primavera en Salonico live In Milan.

2009-01-16T02:37:00.000-08:00

Melodie tradizionali rilette con spirito contemporaneo. La musica di Savina Yannatou, una delle interpreti più brillanti della nuova scena greca, segue questa formula da diversi anni e con crescente successo. La cantante, accompagnata dal suo gruppo Primavera en Salonico, conclude giovedì al teatro Studio la rassegna «Milano incontra la Grecia e la Grecia il mondo». Il suo ultimo disco «Songs of an Other», inciso per l' etichetta Ecm, non si discosta da questo percorso di ricerca, scavando e cercando ispirazioni nelle melodie popolari di Armenia, Serbia, Kazakhstan e Italia Meridionale. C' è spazio anche per la Grecia, ovviamente, e per una composizione yiddish del Cinquecento. Fanno da filo conduttore a materiali tanto eterogenei gli arrangiamenti di Kostas Vomvolos, con la collaborazione di tutti i membri dell' ensemble della Yannatou. Rispetto ai precedenti dischi viene qui sottolineata l' importanza dell' improvvisazione, scelta che rende l' esibizione dal vivo particolarmente intesa. In confronto al precedente live «Sumiglia» (risalente al 2004), la Yannatou e il suo gruppo hanno acquisito ulteriore virtuosismo e fluidità interpretativa, avvicinandosi con rispetto ma con assoluta libertà formale a composizioni popolari, una ricerca che dà al pubblico anche la possibilità di conoscere repertori folklorici altrimenti destinati all' oblio.Il suono predominante è quello di un ensemble mediterraneo con gli interventi solistici di Giannis Alexandris alla chitarra, Kostas Vomvolos alla fisarmonica e Kyriakos Gkouventas al violino.

Ricordiamo che i cd :

SAVINA YANNATOU Terra Nostra
SAVINA YANNATOU Sumiglia
SAVINA YANNATOU Primavera En Salonico

sono disponibili presso il negozio on line
www.moonlightrecords.com

Craig Harris God's Trombones - Domenica 14 Dicembre

2008-12-10T07:20:00.000-08:00

Grande appuntamento x la Moonlight Records. Domenica 1 dicembre alle ore 11.00 saremo ospiti della manifestazione Aperitivo in concerto in occasione del concerto di Graig Harris. Si tratta di una prima europea prodotta e ideata da Craig Harris
in persona con la regia di Beth Herron mentre le coreografia sono a cura di Sandra L. Burton. La formazione che si presentera' la mattinata di domenica al manzoni sara' di tutto rispetto con alle voci Gina Breedlove, LaTanya Hall, Trent Kendall, Kevin Anthony, ai tromboni Craig Harris Curtis Fowlkes, Gary Valente, Alfred Patterson, tuba Bob Stewart, euphonium Joe Daley, tastiere Adam Klipple, batteria Tony Lewis, ed infine la ballerina Chanon Judson

“Aperitivo in Concerto” si congeda dal 2008, Domenica 14 dicembre, alle ore 11.00, presso il Teatro Manzoni di Milano (via Manzoni, 42), con la prima europea e l’unica data italiana di God’s Trombones, uno straordinario spettacolo-concerto ideato da uno fra i più innovativi esponenti della musica improvvisata africana-americana dei nostri tempi, il trombonista Craig Harris. Irromperà sul palcoscenico del Teatro Manzoni un vero e proprio coro di tromboni, voci e strumentisti ispirato dalle cosiddette “shout band” (i gruppi di ottoni che fra gli anni Venti e gli anni Trenta accompagnavano le cerimonie religiose degli africani-americani nella Carolina del Sud) e a God’s Trombones: Sermons in Verse, testo in cui James Weldon Johnson (poeta, saggista, narratore, musicista e intellettuale africano-americano, protagonista della cosiddetta Harlem Renaissance) cerca di ricostruire in versi l’enfasi ritmica e retorica dei predicatori religiosi neri del Sud degli Stati Uniti. Harris realizza un trascinante spettacolo che ci riporta in modo entusiasmante alle radici del jazz, degli spiritual e del gospel, grazie anche ad una schiera di eccezionali solisti, fra cui spiccano i trombonisti Curtis Fowlkes e Gary Valente, il grande Bob Stewart alla tuba e Joe Daley all’euphonium.
Eccezionale è il cast vocale, con una serie di cantanti che oggi rappresentano il meglio della scena di Broadway.

CRAIG HARRIS
Il trombonista Craig Harris si afferma definitivamente sulla scena musicale internazionale nel 1976: egli mostra di saper condensare nel suo solismo l’intera storia del trombone nel jazz, dal gutbucket di New Orleans fino all’espressionismo della nuova improvvisazione, passando attraverso la limpida ed efficace articolazione della scuola di J. J. Johnson. Al tempo stesso, questa capacità di condensare in modo omogeneo un numero impressionante di esperienze viene concentrata in un’attività compositiva di crescente rilievo, il cui fine ultimo è arricchire e aggiornare il continuum africano-americano. Negli ultimi quindici anni Harris ha creato e presentato un numero impressionante di lavori multimediali, con la collaborazione dei più significativi protagonisti della scena musicale di New York; a tale scopo ha fondato la Nation of Imagination Inc., un’associazione non-profit dedita alla produzione di progetti multimediali su vasta scala, nonché all’educazione musicale e alla produzione di progetti ideati da giovani artisti emergenti. Nascono così collaborazioni con il poeta Sekou Sendiata (The Circle Unbroken Is a Hard Bop) e un’opera di rilievo (1994) come Lost in Translation, realizzata con la collaborazione della coreografa Marlies Yearby e del chitarrista Vernon Reid e co-prodotta dal Next Wave Festival di Brooklyn e dall’American Center di Parigi. Nello stesso anno nasce Return of Elijah, presentato nel 1996 e dedicato alla rievocazione della schiavitù degli africani-americani negli Stati Uniti. Nel 1997 Harris, con la collaborazione del grande poeta e drammaturgo Amiri Baraka, presenta Remembering We Selves, un tributo alla cosiddetta Harlem Renaissance. Nel 1998, Harris assume la direzione artistica del Tongues of Fire Choir, creando un sestetto strumentale con cui collaborano, fra gli altri, Nona Hendrix, Quincy Troupe, Amiri Baraka e Regina Carter. Nasce al contempo il progetto Udu, rievocazione drammatica dello schiavismo in Mauritania e prende vita una trilogia multimediale, da poco completata, dedicata a Muhammad Ali (Brown Butterfly), James Brown e Tina Turner, finanziata e prodotta da una serie di istituzioni di rilivo come la Rockefeller Foundation e la Warhol Foundation.
Harris si dedica inoltre ad una serie di compagini strumentali, con cui approfondisce il concetto improvvisativo del Canone africano-americano: Tailgaters Tales, Nation of Imagination, Slide Ride, un gruppo di tromboni di cui fanno parte anche Ray Anderson, Joseph Bowie e Gary Valente.
Nato nel 1953 a Hempstead, Long Island, Harris studia presso la State University of New York, sotto la guida del polistrumentista Makanda Ken McIntyre. Si trasferisce a New York nel 1978, affermandosi come uno fra i protagonisti della nouvelle vague di strumentisti come Ray Anderson, Joseph Bowie, Gorge Lewis. Dopo un periodo di due anni nella Sun Ra Arkestra, a fianco di uno dei suoi insegnanti e mentori, il baritonista Pat Patrick, inizia una collaborazione con il celebre pianista e compositore Abdullah Ibrahim. Seguono partecipazioni a gruppi guidati da David Murray, Don Pullen, Beaver Harris, Lester Bowie, Sam Rivers nonché un sodalizio artistico con la grande cantante Lena Horne. Non vanno inoltre dimenticate le collaborazioni con Jaki Byard, Warren Smith, Henry Threadgill, Olu ara, Cecil Taylor, Hamiet Bluiett, Joseph Barman, Don Moye, Muhal Richard Abrams, Mal Waldron, Jay McShann, The Dells, The Four Tops, Eddie Kendricks e altri ancora.

GINA BREEDLOVE
Eccellente cantante versata in più generi, Gina Breedlove dispone di mezzi vocali impressionanti. Fra le protagoniste di applauditi musical come Sophisticated Ladies e Sheila’s Day, s’è imposta nel personaggio di Sarabi in uno spettacolo di rilievo come The Lion King. Ha inoltre collaborato con artisti quali Toshi Reagon (curatrice, fra l’altro, della parte musicale di un lavoro come The Temptation of St. Anthony di Bob Wilson), Martha Redbone, Morley. Per anni ha inoltre fatto parte dei gruppi vocali di Phyllis Hymam, Harry Belafonte, Ani DiFranco, Ronny Jordan, Sekou Sendiata, Marc Anthony Thompson.

LATANYA HALL
La cantante LaTanya Hall, fra le principali voci della musica africana-americana, dopo un iniziale periodo di studi ed esperienze che l’ha vista anche eletta Miss Colorado, s’è affermata nel mondo musicale come accompagnatrice vocale di artisti quali Diana Ross, Aretha Franklin, Patti Labelle, Harry Belafonte e Bobby McFerrin, oltre ad essere protagonista in un nutrito numero di musical a Broadway.
Cresciuta in Texas e in Colorado, la Hall inizia ad esibirsi professionalmente all’età di tredici anni, collaborando inizialmente con il padre, pianista versato nel jazz. Pluripremiata per le sue eccezionali doti vocali, è stata protagonista di molti spettacoli e serial televisivi, fra cui Law and Order.

TRENT KENDALL
Eccellente attore, produttore e cantante, affermatosi sia a Broadway che a Hollywood, Trent Armand Kendall ha a lungo collaborato con la nota cantante e attrice Cher ed è stato apprezzatissimo protagonista in alcuni fra i più importanti musical di Broadway degli ultimi anni: The Color Purple (con Oprah Winfrey), Lil' Abner, Diva Diaries, Into The Woods di Stephen Sondheim, Bat Boy the musical, The Wizard of Oz (con Mickey Rooney), Children of Eden, Smokey Joe's Café', Hey, Mr. Producer!, Handful of Keys, Five Guys Named Moe, Joseph and the Amazing Technicolor Dreamcoat (con Donny Osmond), Porgy and Bess.
Ha di recente inciso come solista, per la nota casa discografica Dress Circle di Londra, specializzata nel mondo del musical: Introducing Trent Kendall, So Much To Say.
Ha prodotto spettacoli di successo come Picture Incomplete, Just Take It All Off, A Joyful Noel e Louis & Ella- a heavenly revue.

KEVIN ANTHONY

Kevin Anthony, formatosi alla Duke Ellington School of Arts di Washington è un vero e proprio veterano dei palcoscenici teatrali americani. Da oltre vent’anni egli s’è affermato come attore, intrattenitore e cantante, esibendosi sia in tutti gli Stati Uniti che in Europa (dove s’è esibito più volte, sia a Londra che per le truppe americane di stanza in Germania).
Ha collaborato, fra i tanti, con attori e intrattenitori quali Robin Harris, Paul Mooney, Martin Lawrence, D.L. Hugley, Bernie Mac e Jamie Foxx (Laffapalooza!). In campo musicale s’è esibito a fianco di artisti e gruppi come Earth Wind & Fire, Gil Scott Herron, Gerald Albright, Walter Beasley, Kool & the Gang, Boney James.

CURTIS FOWLKES

Co-fondatore dei Jazz Passengers, collaboratore dei Lounge Lizards, Curtis Fowlkes è un eccezionale strumentista, che oggi ha raggiunto una grande maturità. Vanno ricordate le sue collaborazioni con la Liberation Music Orchestra di Charlie Haden e Carla Bley, ma anche quelle con l’orchestra di Ellington guidata da Louie Bellson e con artisti quali John Zorn, Marc Ribot, Cibo Matto, Sheryl Crow, Henry Threadgill, Elliott Sharp & Terraplane, Charlie Hunter, Andy Summers, Bill Frisell.

GARY VALENTE

Fenomenale strumentista, dotato di straripante espressività, Gary Valente è nato a Worcester, Massachusetts nel 1953. Inizia a studiare il trombone all’età di otto anni sotto la guida del padre, il trombonista Frank Valente, perfezionandosi al New England Conservatory of Music in Boston, Massachusetts, perefzionandosi sotto la guida di John Coffey e del leggendario pianista Jaki Byard. Trasferitosi a New York, collabora con la Living Time Orchestra di Gorge Russell, per poi esibirsi con gli Apollo Stompers di Jaki Byard e, per lungo tempo, con l’orchestra di Carla Bley. S’è inoltre esibito con Maynard Ferguson, Charlie Haden, Cab Calloway, Andy Sheppard, Joe Lovano, Lester Bowie’s Brass Fantasy, George Gruntz, Michel Camillo, David Murray, Jean-Marie Machado, Bebo Valdez e The Lincoln Center Afro Latin Jazz Orchestra. E’ inoltre solista permanente nella Chico O’Farrill Afro Cuban Jazz Orchestra, guidata da Arturo O’Farrill.
AL PATTERSON
Strumentista assai apprezzato sulla scena newyorkese, Alfred Patterson ha collaborato e inciso con artisti come Harold Johnson, Nancie Banks, Muhal Richard Abrams, Mandy Patinkin, Jack Jeffers, Roscoe Mitchell, David Murray, Makanda Ken McIntyre, Wadada Leo Smith, Hamiet Bluiett, oltre a far parte dell’Ebony Brass Quintet e a collaborare regolarmente con Craig Harris.

BOB STEWART
Fra i più acclamati solisti di uno strumento difficile come la tuba, Bob Stewart, nato il 3 febbraio 1945, s’è diplomato al Philadelphia College of the Performing Arts, perfezionandosi alla Lehman College Graduate School. Professore veterano alla celeberrima Juilliard School di New York, insegna anche al Lehman College.
Stewart s’è inoltre esibito ed ha inciso con artisti quali Charles Mingus, Gil Evans, Carla Bley, David Murray, Taj Mahal, Dizzy Gillespie, McCoy Tyner, Arthur Blythe, Freddie Hubbard, Don Cherry, Sam Rivers, Lester Bowie, Frank Foster, Globe Unity Orchestra, David Murray,Henry Threadgill, Howard Johnson, Clifford Thornton, Nicholas Payton, Wynton Marsalis, Charlie Haden, Edward Vesala, Bill Frisell, Gunter Hampel, Steve Turre, Herb Robertson, Bob Belden, Charlie Persip, Uri Caine, Rhys Chatham, Art Ensemble of Chicago.

JOE DALEY
Diplomatosi alla Manhattan School of Music di New York, Joe Daley è da anni uno fra i più affermati esponenti della scena musicale newyorkese. Ha collaborato a lungo con Sam Rivers, esibendosi anche con l’orchestra di Carla Bley nonché con artisti quali Howard Johnson, Frank Foster, Taj Mahal, Muhal Richard Abrams, Gil Evans, Charlie Haden, Elley Eskelin, George Gruntz, Bill Cole, Jayne Cortez, Taylor Ho Binum, Alan Silva, Dave Douglas, Ebony Brass Quintet.

ADAM KLIPPLE
Eccellente pianista e organista, Adam Klipple, per quanto ancora giovane, ha collaborato con artisti quali Craig Harris, Graham Haynes, Joseph Bowie & Defunkt, Ron Affif, Vinny Valentino, Jason Marshall, Michael Ray & The Cosmic Krewe oltre a esibirsi con Sun Ra Arkestra, Sekou Sundiata, Marc Ribot, John Medeski, Kurt Rosenwinkle, Carla Cook, Dave Fiuczynski, David Gilmore, Josh Roseman, Vincent Gardner, Peter Apfelbaum, Joel Harrison, Jay Rodriguez, Groove Collective, Smokey Robinson. Leader del gruppo Drive-Yy Lesile, ha inciso a suo nome Adam Klipple & Drive-By Lesile, From Memphis to Bishkek.

TONY LEWIS
Eccezionale strumentista messosi particolarmente in luce nei gruppi guidati da Paul Shapiro e da Elliott Sharp, Tony Lewis è nato nel Bronx, a New York, nel 1962. Affermatosi come batterista nel gruppo heavy metal 24-7 Spyz, è oggi fra i musicisti più impegnati sulla scena newyorkese. Ha collaborato con Cindy Lauper, Benny Goodman, Black Rock Coalition, B. B. King, Dizzy Gillespie, Vernon Reid, Little Richard, Jean-Paul Bourelly, Arto Lindsay, Bobbie Humphrey, Caetano Veloso, Boys Choir of Harlem, Special EFX. Ha partecipato al film Fame (Saranno Famosi) ed è presente nella relativa colonna sonora. Ha inoltre partecipato a show e serial televisivi con Jay Leno, David Sanborn, Avery Brooks (A Man Called Hawk).

CHANON JUDSON
Dopo studi al Center for the Arts di Buffalo, Chanon Judson s’è affermata a New York come ballerina e coreografa. Componente del gruppo Urban Bush Women, insegna all’Alvin Ailey Arts In Education & Community Programs e alla Academy of Visual & Performing Arts di Buffalo, collabora al gruppo Roots & Wings Movement di Makeda Thomas.

per ulteriori informazioni:
Viviana Allocchio
Iniziative Speciali
Teatro Manzoni
Via Senato, 12
20121 MILANO
tel.: 02781253 - 02781254
fax: 0276281604

INGRESSI:
Concerti 19 ottobre – 3 e 10 novembre – 25 gennaio: € 15 + € 1 prevendita

Concerti 26 ottobre – 1 e 14 dicembre – 9 febbraio: € 12 + € 1 prevendita

Ridotto giovani € 10 + € 1 prevendita

ABBONAMENTI fino al 19 ottobre .
N. 4 CONCERTI DOMENICA MATTINA€ 50,00
N. 4 CONCERTI LUNEDÌ SERA € 50,00

PREVENDITA dal 6 ottobre ’08 al 9 febbraio ‘09
alla cassa del Teatro
CircuitoTicketone –
Nnumero verde 800-914350
Posti fissi e numerati

In vendita alla cassa del Teatro
Posti fissi e numerati

CONTATTI:
Teatro Manzoni – tel. 0039 02 7636901
Via Manzoni 42
20121 Milano
info@teatromanzoni.it
www.teatromanzoni.it/aperitivo - www.aperitivoinconcerto.com

Come raggiungere il teatro:
MM Montenapoleone – MM1 San Babila – MM1 Palestro
Bus 61 – 94 – Tram 1, 2

GOD'S TROMBONES
Craig's "God's Trombones" affords him the opportunity to realize a longstanding dream. It is based on James Weldon Johnson's classic collection of poems that refigure inspirational sermons by itinerant Negro preachers. In collecting these sermons in free verse form, Johnson strove to document and to preserve a unique African American cultural tradition in the face of increased assimilation into a more mainstream American way of life. Craig looks to Johnson's poems for inspiration to produce a musical interpretation of the rhythm and cadence that Johnson found in the original sermons.

Although deeply rooted in the work of these Christian preachers, Craig's vision for "God's Trombones" looks beyond the sectarian roots of the sermons to the realm of the spirit that underlies and moves all religious experience. Thus, "God's Trombones" both hearkens back to the spirit of the original work and reinterprets it for a contemporary audience. At its most fundamental level, the project strives to bring Johnson's poems, and the unique preaching style they preserve, to life. Craig's composition will consider "God's Trombones" through the intersection of sound (specifically, the trombone shout form) and word and movement. Technically, Craig creates a work that is operatic in scale, with the pitch, melody and harmony finding inspiration in the original poems, with the text (and its recitation) and the choreography (and its presentation) serving as partners in the overall composition.

Stefano Bolllani - Enrico Rava : Genova Lunedi 1 Dicembre

2008-12-01T02:42:00.001-08:00

Sentirli suonare assieme è una esperienza fantastica.

Un’avventura sorprendente, un viaggio imprevedibile nella musica e nei suoni. Questo è quanto promette il concerto del duo Enrico Rava e Stefano Bollani.

La difficoltà di suonare in duo è nel rischio di ripetersi e diventare monotoni… ma qui non accade. Bollani è praticamente un’orchestra, riesce a fare cose incredibili al pianoforte, ma la potenza di questo duo è soprattutto l’interattività. Rava ha la possibilità di fare tutto quello che gli passa per la testa e Bollani lo segue.

Il duo è uno dei top live act del jazz odierno. Insieme. Rava e Bollani, formano una coppia di altissimo livello interpretativo. Due sensibilità superiori, due poeti in musica, ognuno legato sentimentalmente ed indissolubilmente al proprio strumento.

Richiestissimi in patria e all’estero, anche con le proprie formazioni, Rava e Bollani hanno trovato un terreno d’intesa dove il lirismo e l’esplosività, lo spirito d’avventura e la saggezza del trombettista triestino si incontrano con il talento pianistico senza pari del giovane jazzista milanese.

Da segnalare: Stefano Bollani il 14 dicembre 2007 ha ricevuto a Vienna l’ambitissimo premio “Europeran Prize”. Una giuria specializzata in rappresentanza di 23 paesi europei lo ha acclamato miglior musicista dell’anno 2007.

András Schiff - Lunedi 24 Novembre - Genova - Teatro Carlo Felice

2008-11-22T03:45:00.000-08:00

Ebbeni si, finalmente ci siamo... Dopo tante volte che ci è "scappato" di mano anche colui che personalmente considero uno dei piu' importanti e bravi pianisti contemporanei finalmente si è fatto " prendere". E' cosi'che Moonlightrecords sara' presente al concerto che lo stesso Schiff fara' a Gevona lunedi.

Ricordiamo che per l'occasione sara' possibile acquistare l'intera discografia di Schiff su Ecm.

Notes on the Program

Not Only Evidence of the Heroic Style
Beethoven’s Sonatas, Op. 31 and Op. 53
András Schiff in conversation with Martin Meyer

Martin Meyer: As far as the piano sonatas are concerned, Beethoven’s so-called middle period, which has so readily been identified in his output as a whole with his “heroic” style, begins with the triptych of Op. 31. Yet within this group of works there is scarcely any evidence of the heroic monumental style.

András Schiff: That’s true. Even the very new worlds of expression opened up in the famous “Tempest” Sonata, Op. 31, No. 2, have absolutely nothing to do with the usual definition of heroism, which proves that labels of this kind, or attempts to lump things together, are for the most part misleading—which is probably true with most great artists. Of course, the Third Symphony, with its title of “Eroica,” embodies to a certain extent a “heroic” pathos, and the related “Eroica” Variations for piano, Op. 35, are similar in mood. In addition, we could mention other works that are powerfully extroverted in character, or even show evidence of a monumentalized style, if you like—the Fifth Symphony, for example, or the “Emperor” Concerto. But if we think of other middle-period works, it immediately becomes clear that there are also strongly opposing characters, especially in the realm of chamber music. And, as we have already mentioned, the three Piano Sonatas, Op. 31, resist any kind of simplification, as any performer or listener who has studied them closely will know.

Carl Czerny recorded a remark the composer made to the Bohemian violinist Wenzel Krumpholz, to the effect that he was dissatisfied with what he had accomplished up to that time and wanted to follow a new path, one that was connected to the three sonatas of Op. 31.

We need to take that with a grain of salt. Czerny’s treasure chest of anecdotes contains some jewels, but upon further examination, a number of them have turned out to be purely speculative or hopelessly wide of the mark. We have only to think of the “story” of the event that gave rise to the finale of the “Tempest” Sonata. Supposedly, Beethoven was standing by the window one night when suddenly a rider passed by in a wild gallop. But this third movement isn’t a gallop at all: In its “rocking” Allegretto motion, it’s much closer to a perpetuum mobile in that it is both lyrical and dramatic. For the rest, Beethoven is a composer of the new par excellence, but that holds true right from the start—in the case of the piano sonatas, ever since the F-Minor Sonata, Op. 2, No. 1, onwards, and then with virtually every single step forward.

Even so, it’s possible to perceive demarcations, some of them stronger than others. For instance, the A-flat-Major Sonata, Op. 26, marks a new way of thinking and writing for Beethoven, and much the same could be said of the two “Fantasy” Sonatas of Op. 27.

Certainly. And here, around the time of Op.26 and Op. 27, we find the beginnings of the middle period, which of course also manifests itself as a further development of what has gone before: there is no break. In any case, in composing the triptych of Op. 31, Beethoven gathered together three works under a single opus number for the last time in his piano sonatas. After that, the dialectic of individualization moved in the direction of single works each time, whereas here it still manages to make itself felt in a collective form. Unfortunately, the autographs of all three sonatas have been lost, which presents additional problems, especially for performers, because the first editions, issued by the Zürich publisher Georg Nägeli between April 1803 and early summer 1804, contain several misprints.

How could we distinguish the overall characteristics of these three works, which are so very different in mood and form?

As was already the case with Op. 2 or Op. 10, we really do hear and notice an enormous diversity. Quite apart from the fact that with the exception of the “Hammerklavier” Sonata, Op. 106, the third sonata is Beethoven’s last to be cast in four movements, the following would roughly hold true: the first sonata of Op. 31, in G major, is an extremely witty work, and perhaps Beethoven’s wittiest sonata altogether. It is also virtuosic and extroverted, and full of surprising inspirations. The second sonata, in D minor, carries the not-inappropriate nickname of “The Tempest.” It is altogether dark in tone and its effect is highly dramatic, with a “literary” mood throughout. And the third sonata, in E-flat major, is probably the hardest to paraphrase in words: on the one hand it seems tender, entreating, and pleading, with a lyrical basic mood strongly in evidence; and on the other hand, in the scherzo and finale it maintains a high-spirited and urgent sense of motion. Any pianist who programs all three works together—as, for instance, in a performance of the complete cycle—has to be particularly careful to bring these differences out.

The G-Major Sonata is, then, driven by humor and irony. Even so, it would surely be wrong to present it purely as an example of unbridled lightheartedness.

On the contrary, we have to bring out the nuances of its textures with the greatest accuracy. In the first place, that concerns dynamics. In my opinion, it would be quite wrong to play the beginning of the first movement forte. The whole piece, with its chords and descending scales, begins piano—almost gropingly, and, in view of the rhythmic displacements and the tension between the left and right hands, a touch hesitantly. We immediately find ourselves in the tonic key, without any circuitous introductory bars. After that, the procedure is repeated, as though it had to be “scrutinized” again, a whole-tone lower, in F major, which of course helps make the thematic procedure clearer. In this connection I should point out that Beethoven later uses the same kind of repetition shifted up or down at the beginning of a sonata, in both the “Waldstein” and the “Appassionata” Sonata, Op. 57.

But whereas earlier sonatas such as Op. 22 or Op. 28 show an increasingly compact design, time is now stretched out—and it’s additionally broadened through virtuoso repetition—before the second subject is finally allowed to appear.

Yes, Beethoven deliberately foils our expectations here. That is part of music’s inner psychology, so to speak, as we already know from Haydn. At the same time, this second theme, which is both dance-like and lyrical, is given a good deal of space, both for polyphonic growth and for tension-filled changes of mood between major and minor. In this, it almost anticipates Schubert, who was very familiar with this G-Major Sonata.

A repeat of the exposition is indicated: does it have to be observed in every single performance?

Absolutely. In the first place, it allows the weight of the material in relation to the individual sections of the movement to be represented correctly; and, secondly, it gives the performer the opportunity of introducing additional colors to what has already been expounded. On top of that, the wonderful second subject gains in presence—because you have to take note of the fact that it doesn’t appear at all in the development section. Here, Beethoven concentrates exclusively on the main subject, presenting it in continually new modulations, and—as far as the unison cascades of scales are concerned—with powerful “inner” waves, which should be perceived more from the large-scale harmonic point of view, than as individual notes. The recapitulation finally bursts in deciso, you could say, and this time fortissimo—as though the main subject had gained in self-confidence. It’s also worth mentioning the extensive coda, where pauses, syncopations, and split chords bring wit to the fore once again, until the two hands at last find each other and come together in two staccato piano chords.

Beethoven marks the slow movement of Op. 31, No. 1, as an Adagio grazioso, which is almost a contradiction in terms.

Here we find wit and parody: The Italian bel canto operatic style and declamatory rhetoric with many ascending and descending scale-like passages are continually present, although they alternate with other material. The grazioso, along with the 9/8 rhythm, lends the piece a hint of narrative style. What’s important here is the imagery of the sonorities. At the beginning we can imagine the plucked sound of a mandolin accompaniment, above which the melody hovers with its expressive trills. The whole thing sounds very richly decorated, iridescent, and playful. By way of contrast, the middle section, with its chromaticism and minor-mode inflections, introduces a certain dramatic intensification, though I would see it more as a “storm in a teacup” than any significant darkening of the mood. After it, the opening section returns in a still richer form. What’s new about it is that the concept of musical time is presented quite differently—in lavish profusion, as though Beethoven never wanted the movement to end. That becomes still more striking in the coda, with its wonderfully song-like duet interjections.

The rondo finale, on the other hand, sets off quite confidently, even though it again has much cantabile intimacy. Schubert avant la lettre once more?

Certainly. We can call to mind the finale of Schubert’s great A-Major Sonata, which has the same contrapuntal inflections, excursions into minor keys, changes in voices and registers, and, in addition, the alla breve tempo. But of course Beethoven is more concise, and the heart-rending lyricism is lacking. The passages, which, in their decisive character, evoke Bach, and the rhythmic alternations between quarter-notes, eighth-notes, and triplets lend the movement a focused energy—although the coda, with its many tempo changes, breaks the material down as though into fragments, until finally the whole work progresses towards its final chord by way of an outburst of trills and a cascading, up-and-down figuration that recall the opening of the first movement. In this manner the music comes full-circle in a very humorous way.

With the Sonata in D Minor we enter altogether different territory: darkness and sudden outbursts, dream-like recitatives, and, in the finale, an almost continual twisting and turning of the theme. Beethoven’s allusion to Shakespeare’s The Tempest is authenticated, but what light can it shed on the music for us?

We shouldn’t draw too much out of this reference, and Beethoven himself went no further than a mysterious allusion. To put it another way, we shouldn’t imagine anything specific, such as passages of monologue or dialogue, that might perhaps bring Prospero to mind, and come to the fore with increased rhetoric. I must limit myself to a few essential points, though the sonata would of course invite extensive analysis. In the first place, what’s revolutionary is that Beethoven allows the piece to begin not on the tonic, but with a rising chord of A major, which immediately sows the seeds of uncertainty over what is to come. But beware: this beginning already forms part of the main subject, and is not an introduction, as is quite clearly indicated by the “answer” in the bass from bar 21 onwards, which presents the same rising figure in an accelerated form. Moreover, huge psychological forces are seething away, for instance in the relentlessly propelled dialogue between contrasting registers, which is continually striving for wider intervals; or in the second theme, which doesn’t take us into different worlds or moods, but instead drives the despair still further.

Altogether, this movement encompasses an enormous amount, both as far as its content and its form are concerned, and yet the whole thing seems extremely concise.

The exposition presents a powerful and violent concentration of statements, and yet it is over in a flash. And Beethoven is just as economical with his argument in the development, until the hurricane’s rage has abated and it comes to rest in the bass register—a penseroso moment that seems to anticipate Liszt and his B-Minor Sonata. But exactly at the point where the recapitulation could actually be reached, as in classical form, Beethoven once more does something new. He inserts two recitatives, the first restrained, simple, and noble in tone, and the second with bolder intervals, mysterious, pale, and whose tonal properties are veiled. In the recapitulation the composer compresses his material once more, and as a result the effect of the blurred ending deep in the bass seems all the more remote: not a resolution, but a shadowy vanishing after terrifying eruptions.

The slow movement arises out of the final fermata – an almost solemn, or at least chorale-like, Adagio in B-flat major.

Everything is calm to begin with, and only the short bass figures in demisemiquavers, which should sound like timpani, allow the impression of a storm in the far distance to arise. The sustained chords of the chorale have the character of a sarabande, but gradually events multiply, and more and more questions are put, and that’s why it’s important for the performer to be able to distinguish between “sung” and “spoken” sections. The second theme appears to continue the calm, and to lighten the solemn tread a little. But soon the drum rolls intervene again, and this time they pave the way for the cascades of demisemiquavers that are to follow later, and that are contrapuntally written to cover all registers of the instrument. The declamatory and cadenza-like elements of the large-scale coda in three sections immediately provide us with the breadth of a “heaven and earth” feeling. Incidentally, the last bar has to be played strictly in tempo, without any ritardando.

After that comes the detailed Allegretto in 3/8 time—a finale that has often tempted pianists into excessive haste and cold-blooded mechanical virtuosity.

Which completely misses the point! The piece is written in sonata form, with an exposition, development, and recapitulation, and it needs to occupy a special position within the work as a whole—perhaps even, as is the case with the “Moonlight” Sonata, the main weight. That makes it all the more essential correctly to realize the proportions, the sonorities, and the rhythmic energies that bind the whole thing together, as well as that half-melancholy, half-dramatic tone that runs through it. You really have to hear everything, and that wouldn’t be possible with too fast a tempo. In this connection I would point to the long development section, whose contrapuntal passages are reminiscent of Bach’s D-Minor Two-Part Invention. No less significant is the coda, in whose latter half the theme finally returns in full orchestral garb, before (following a chromatic fortissimo scream) the piece collapses like the first movement without a ritardando or fermata, with a D-minor arpeggio played piano, and descending to the bottom of the keyboard. In short, a highly dramatic work!

On the other hand, the last sonata of the Op. 31 triptych, also composed between 1801 and 1802, is in an E-flat major that is at once bright and soft. Brilliance and lyrical assurance are found together in a very relaxed way.

Yes, it’s no use looking for the “heroic” gloom, if I can put it that way, of the “Tempest” Sonata. Great tenderness—as for instance in the pleading phrase of the first bar, at the very beginning—is mingled with humor, as we can see in a very fruitful form in the development section of the scherzo. And the finale provides really spectacular bravura, demanding great pianistic energy. But this sonata, too, should not be played too quickly or hurriedly. In the opening movement the irregular runs in semiquavers and demisemiquavers give the tempo, and in addition there are many ritardandos forming transitions that have to be precisely shaped. The charming, song-like second subject above a simple Alberti bass accompaniment lends support to the questioning introductory phrase, which you could actually characterize as “Liebst du mich?”

The floating lightness of the piece also arises out of the fact that the home key of E-flat major is only established at bar 17, and that everything that comes before seems somewhat improvised and questioning.

Absolutely, although the material of the third and fourth bars already carries a lot of weight. This motif in repeated chords runs through the whole movement like a basic pattern or binding force—in fact, it is found again, appropriately modified, in the following movements. In the development section of the opening movement, things become somewhat stormier, the lyrical mood broadens into comedy, and the energy level is raised by the skipping intervals, whose tension owes a good deal to the crossed-hands motion. In addition, there are strong dynamic contrasts, and textures that expand the purely pianistic writing into trio or quartet-like associations.

For his scherzo Beethoven has in mind an Allegretto vivace. More Allegretto, or more Vivace?

Both. The Allegretto is less of a tempo indication than a mood: what’s required is dance-like lightness. On the other hand, we should also be conscious of a certain energy, which makes itself felt at the latest with the outbursts of fortissimo chords. The design of the whole piece is a sonata-scherzo, by which I mean that we have an exposition that absolutely has to be repeated, a development on a notably large scale, and a reprise. A good deal of it breathes the air of opera buffa. The beginning is amusing, even downright comical, with the right hand establishing a chorale-like melody and the left hand plucking out a staccato bass. Finally, the performer has to vary the tempo like a good director, joining the fermatas and ritardandos to the a tempo in a meaningful way. And if, for instance, we really bring out the battle that rages in bars 90 onwards, we encounter a truly furious extroverted character.

Instead of following this with a genuine slow movement, Beethoven is satisfied with a short minuet.

That’s certainly very unusual, and so is its character: Moderato e grazioso suggests a degree of contrast within itself. Nevertheless, it shows Beethoven, in opposition to every cliché, as a wonderful melodist. On the other hand, the trio—on which Saint-Saëns based a set of variations for two pianos, and which seems to anticipate one of the episodes in Schumann’s Faschingsschwank aus Wien— is in a pure chordal style. Only the coda, with its eerily chromatic tinges, evokes a hint of melancholy or darkness.

And so to the finale: a Presto con fuoco of an indisputably pianistic nature. Here at last we meet with the gallop which Czerny wrongly ascribed to the finale of the “Tempest” Sonata.

A gallop, yes, and also the atmosphere of the hunt with prominent horn-like accents. The music’s powerful energy and rhythm have led the French to give it the nickname of “La Chasse.” Once more, the 6/8 rhythm has something of a perpetuum mobile abut it, but in contrast to the Allegretto of the “Tempest” Sonata or the finale of Schubert’s great C-Minor Sonata, the mood here is one of unclouded, high-spirited joy. The long development requires additional virtuoso energy; the changes in register and the dialogue-like passages at the start of the large-scale coda bring into play an expansive, almost landscape-like spaciousness; and, following a protracted ritardando, the blunt closing bars provide a suitable concert-ending.

Only a short time later Beethoven produced the C-Major Sonata, Op. 53, which dedicated to his patron and friend Count Waldstein. But the expressive worlds it encompasses leave everything that came before it far behind.

The “Waldstein” Sonata is certainly an overwhelming work that was not only of great significance to the composer, but also occupies a special place in the history of piano music. Its spatial dimensions alone are enormous, and were only exceeded later by those of the “Hammerklavier” Sonata. And then Beethoven takes a giant stride forwards in respect of new-found pianistic sonorities, at the same time creating a huge “tone poem.”

It would have been even larger if Beethoven had used the slow movement he originally composed for it, instead of replacing it with a short introduction to the rondo finale.

According to Beethoven’s pupil Ferdinand Ries, one of the composer’s friends objected that the sonata in its original form was too long, which at first enraged Beethoven, though he later found that there was indeed a much better solution. The fact that he removed the slow movement and issued it independently as an Andante favori, works strongly to the advantage of the sonata as a whole. As things stand now, the proportions are right, and the rondo can emerge out of the extraordinarily mysterious mood of expectation generated in the introduction’s final bars. We already find transitions of this kind in the Sonata, Op. 27, No. 1.

At the same time, for some music lovers the “Waldstein” Sonata bears the banner for extreme extroversion and somewhat superficial brilliance.

Quite unjustly. It begins, as do most of the sonatas, quietly—indeed, pianissimo. Then, the second subject, in E major, leads us into an intimately lyrical world: It doesn’t need to be played with a slackening of the tempo—the larger note values in which it’s written are quite enough. Finally, Beethoven shades the entire work with a large variety of effects in which the pedal plays a significant role. To put it in a nutshell, you could say that it’s only by chance that the sonata was written for piano. But needless to say, it exploits every expressive possibility, and seems to take into account future developments of the instrument beyond Beethoven’s own lifetime in an inspired way.

The first movement begins with its well known repeated-note motif. We feel rhythm and we hear something almost like noise, with nothing melodic actually appearing.

The orchestral writing already begins here, and the tremolando that follows heralds a new kind of technique. The position of the registers is very important: the motion is drawn upwards, from darkness into the sun—a process that’s repeated over and over again and becomes particularly meaningful in the rondo—which is why the French call the sonata “L’Aurore” (“Dawn”). As already mentioned, the second subject has chorale-like dignity and tender beauty, but it’s gradually expanded with brilliant decorations. The first fortissimo outburst, in bar 62, again engenders a sort of percussive sonority, and soon after it we find the first long trills—written-out trills, not in the sense of decoration, but of heightened expressiveness. The rondo raises the trill to the level of a foreground element, and places it firmly in a developmental line that would lead to the late Sonata in E Major, Op. 109, as well as the “Arietta” of Op. 111.

In the development the material appears in concentrated form, as though in fragments, not only pointing forwards to the “economical” Beethoven, but also investing the music with a newfound urgency.

There of course, in the conflict-driven, energetic passages that pass through wide tonal regions, the heroic style, if you like, finds expression. A special moment is reached at the point where the arrival of the recapitulation is imminent: we seem to hear timpani and double basses in the rumbling 16th-notes in contrary motion: they convey something like a natural phenomenon, though of course in a positive sense. Then there are the short phrases that rise progressively higher, in which the bass line that moves from C to C-sharp to D really has to make itself felt. Moments like this, as well as the eighth-note chords of the recapitulation, have a tremendous effect that still makes itself felt today. Altogether, the entire movement, with the brilliant cadenza in its coda, offers a limitless panorama of ideas and transformations.

The Introduzione, by way of contrast, encompasses a mere 28 bars, and although lyrical ideas surface from time to time, prose predominates.

A kind of “speech song” should unfold only from bar 9 onwards; before that, the music gropes its way in comparatively abstract gestures from the bass into the middle register. This transitional piece should probably not be thought of as a movement at all; rather, it rises up like an island between two landscapes, or almost like no-man’s land. But that’s really a question of its function, and when the individual lines and voices later branch out as though in a string quartet, and finally ascend into the descant with increasing fervor, their goal is never self-contained: When the flute hovers alone on a fermata on the top G, it becomes apparent that everything has been calculated with the beginning of the Rondo in view.

As an Allegretto moderato the finale in no way leads one to suspect that its tenderly lyrical theme soon gives way to passages in an orchestral virtuoso style.

Yet it is a sonata-rondo with contrasting episodes, and for that very reason the “stories” that unfold in them have to be correspondingly weighty. I should stress that the rondo theme—rather like a mountain dweller’s song—already begins on an eighth-note on the low C: The later reprises and variations make that absolutely clear. So we have to find colors and shadings that will differentiate the “rustic” or demonically wild passages of the two episodes from the shoots that grow out of the rondo theme in all its lyrical gentleness. Occasionally, one has the impression, both as performer and listener, that the piano is almost too restricted for the type of music that is striven for and found here. I’m thinking, for instance, of the rushing 16th-note triplets in the reprise of the first episode, or some of the moments in the coda.

How should the notorious octave glissandos be played?

Exactly as Beethoven notated them—and, in the case of Op. 53, his manuscript has survived. It’s true that it isn’t easy, and was a little more comfortable on the fortepiano of Beethoven’s day, but the required effect can only be obtained in that way. And, for the coda’s apotheosis, in trills you naturally need to produce as magical and shimmering a sonority as possible. In short, I absolutely agree with György Ligeti: The “Waldstein” Sonata is a milestone in musical history, and one that opened up new and imaginative sound worlds.

Venerdi 21 Novembre 2008 : Stefano Bollani con i suoi Visionari

2008-11-21T03:47:00.000-08:00

Stefano Bollani, fra i massimi talenti jazzistici internazionali, esordisce professionalmente a quindici anni. Si afferma nel jazz collaborando con grandissimi musicisti (R. Galliano, G. Barbieri, P. Metheny, M. Portal, P. Woods, L. Konitz, H. Bennink, P. Fresu, M. Vitous, T. Horta, J. Abercrombie, K. W. G. Osby, M. Solal...) sui palchi piú prestigiosi del mondo (Umbria Jazz, Festival di Montreal, Town Hall di New York, Scala di Milano). Musica jazz lo proclama miglior nuovo talento del 1998. Nel 2004 la rivista giapponese (Swing journal) gli conferisce il premio New Star Award riservato ai talenti emergenti stranieri, per la prima volta assegnato a un musicista non americano. Nel 2006 per la rivista Musica jazz e' il musicista italiano dell' anno. Il referendum dei giornalisti della rivista americana Downbeat nel 2007 lo vede ottavo fra i nuovi talenti del jazz mondiale e terzo fra i giovani pianisti. I critici della rivista Allaboutjazz di New York lo votano fra i 5 musicisti più importanti del 2007. Nello stesso anno a Vienna gli viene consegnato l'European Jazz Prize, premio della critica europea, come miglior musicista europeo dell' anno. I Visionari sono il quintetto che il pianista ha già presentato in varie occasioni ed è formato da Mirko Guerrini (sax), Nico Gori (clarinetto), Ferruccio Spinetti (contrabbasso), Cristiano Calcagnile (batteria).

Sabato 22 - Teatro Comunale Casalmaggiore - Stefano Bollani - I Visonari

2008-11-21T03:41:00.000-08:00

Moonlight Records, dopo la propria presenza in quel di Monza ( dove x ovvie ragioni storiche gioca in casa ) bissa il giorno dopo il quel di Casalmaggiore dove i Visionari presenteranno il loro spettacolo veramente unico.

Ricordiamo che per l'occasione sara' possibile acquistare presso di noi tutti i cd di Stefano.

11 -12 Ottobre - Roma Hi End

2008-10-06T14:29:00.000-07:00

E' con estremo piacere che comunichiamo la nostra presenza all'ormai consolidata fiera Hi.end di Roma organizzata da The Sound Of The Valve del mitico Zaini. Sara' l'occasione per poter acquistare e ascoltare in anteprima il favoloso Live dei Buena Vista Social Club. Infatti presenteremo proprio al Roma Hi End il doppio cd con la registrazione del concerto reso famoso dal grande regista tedesco Wim Wenders. Ma non abbiamo ancora finito. Infatti per chi non ha fatto in tempo ad acquistarlo durante il top audio di Milano abbiamo ancora a disposizione una decina di Lp del Live In Austin di Norah Jones ( registrazione imperdibile ).
Vi aspettiamo tutti al Roma Hi End - Via Aurelia 800 c/o Jolly Hotel Midas

Domenica 5 Ottobre 2008 - ORCHESTRE DES CHAMPS-ELYSEES

2008-10-06T04:16:00.000-07:00

Il 5 ottobre saremo presso il teatro filarmonico di Verona per un evento veramente speciale.

Infatti si esibira' un'orchestra di primaria importanza europea e mondiale grazie anche alla fama del suo direttore Philippe Herreweghe famoso per l'approcio romantico e profondo con il repertorio in cui si cimenta.

Philippe Herreweghe was born in Ghent. He studied piano at the local Conservatory before going on to study medicine and psychiatry, graduating in 1975. It was during his time at university that he founded the Collegium Vocale and it was then that he caught the attention of Nikolaus Harnoncourt and Gustav Leonhardt. They subsequently invited him to join them in their recording of the complete Cantatas of Bach.

In an endeavour to do adequate justice to a repertory ranging from the Renaissance to modern and contemporary music, Philippe Herreweghe felt the need to create several ensembles of variable composition with whom he has made nearly sixty recordings for harmonia mundi: l’Ensemble Vocal Européen, Collegium Vocale Gent (Bach and his forerunners), la Chapelle Royale (French Baroque music), the Orchestre des ChampsElysées (Classical and Romantic music) and the ensemble Musique Oblique.
Philippe Herreweghe has appeared as guest conductor of ensembles like the Amsterdam Concertgebouw Orchestra, the Mahler Chamber Orchestra, the Rotterdam Philharmonic Orchestra, the Stavanger Symphony Orchestra and the Royal Flanders Philharmonic Orchestra, of whom he is the musical director sine 1997. He also conducted the Berlin and Vienna Philharmonic Orchestras.

He was the Artistic Director of the Saintes Festival from 1982 to 2002. He was named Musical Personality of the Year in 1990, European Musician of the Year in 1991, Cultural Ambassador of Flanders with his Collegium Vocale in 1993. Philippe Herreweghe was awarded the order of Officier des Arts et Lettres in 1994, and named Doctor Honoris Causa of Louvain University in 1997. In 2003 he was appointed Chevalier de la Légion d'Honneur, and in October of that same year he was knighted by the King of the Belgians.

The Orchestre des Champs-Élysées is devoted to the performance of music written from the mid XVIII to the early XX centuries (Haydn-Mahler) played on the instruments that existed during the composer's lifetime.

For several years, the Orchestra has been in residence at the Théâtre des Champs-Elysées in Paris and the Palais des Beaux-Arts in Brussels, and has performed in almost all the major European concert halls such as the Musikverein (Vienna), the Concertgebouw (Amsterdam), the Barbican Centre (London), Alter Oper (Frankfurt), the Philharmonic Halls in Berlin and Munich, the Gewandhaus (Leipzig), the Lincoln Center (New York), Parco della Musica (Rome) and the Auditoriums of Dijon and Lucerne. The orchestra has also toured Japan, Korea, China and Australia.
Philippe Herreweghe is the artistic director and principal conductor, but several guest conductors conducts the orchestra, among them Daniel Harding, Louis Langrée, Christophe Coin, Bruno Weil and it will soon work with René Jacobs.

The Orchestra's extensive discography includes : Mozart Requiem, Mass in C minor – Beethoven Missa Solemnis, Ninth Symphony – Brahms German Requiem – Mendelssohn Elijah, Paulus, Midsummer Night's Dream – Schumann Scenes From Faust, Piano Concerto, Cello Concerto – Berlioz Enfance du Christ, Nuits d'Eté – Fauré Requiem / Bruckner Seventh Symphony, Fourth Symphony (april 2006) – (harmonia mundi recordings)

The Orchestre des Champs-Élysées is funded by the French Ministry of Culture and the government of the Poitou-Charentes region.

Discografia Essenziale

Mozart, Requiem, Collegium Vocale and La Chapelle Royale, Harmonia Mundi, 1997
Bach, Magnificat, La Chapelle Royale, Harmonia Mundi, 1999
Bach, Matthäus-Passion (St Matthew Passion), Collegium Vocale, Harmonia Mundi, 1999
Rameau, Les Indes Galantes, La Chapelle Royale, Musique d'Abord, 2000
Bach, St. John Passion, Collegium Vocale, Harmonia Mundi, 2003
Beethoven, Symphony no. 9, Harmonia Mundi, 2003
Brahms, Ein deutsches Requiem
Estratto da "http://it.wikipedia.org/wiki/Philippe_Herreweghe"

18 - 21 Settembre saremo Al Top Audio

2008-09-06T08:51:00.000-07:00

Anche per quest'anno l'appuntamento "live" per eccellenza della Moonlight Records sara' al Top Audio di Milano. Vi aspettiamo numerosi con tutte le novita'. Quest'anno in anteprima assoluta presenteremo il nuovo Lp Audiophile 180 gr di Norah Jones piu' gli imperdibili Lp 180 e 140 gr con il meglio del jazz mondiale !!!!

Stefano Bollani a Busseto Venerdi 5 settembre 2008

2008-09-05T03:53:00.000-07:00

Questa sera saremo a Busseto ( Parma ) in occasione del concerto di Stefano Bollani in occasione del Barezzi Live Festival

Chi era Antonio Barezzi ?

Droghiere benestante e grande appassionato di musica, nato a Busseto nel 1787, intravide precocemente l'attitudine di Giuseppe Verdi per la musica e lo chiamò come insegnante della figlia Margherita.
La prima esibizione pubblica del giovane musicista nel febbraio 1830, ebbe come teatro il salone della sua abitazione (ora Salone Barezzi), già sede della Filarmonica Bussetana, fondata dal Barezzi stesso e dal M° Ferdinando Provesi nel 1816.

Ne comprende le eccezionali capacità di compositore e nel 1832 lo aiuta perché il giovane Maestro possa recarsi a Milano a perfezionarsi.

Nei mesi precedenti l'andata a Milano per compiervi privatamente gli studi musicali con il M° Lavigna, dopo la delusione per la mancata ammissione al Conservatorio, Verdi abitò in casa Barezzi e qui, a poco a poco, sbocciò l'amore con Margherita, che diverrà sua sposa nel 1836, dopo gli studi milanesi, sostenuti finanziariamente, oltre che dal padre di Verdi e grazie ad una borsa di studio del Monte di Pietà di Busseto, ancora dal Barezzi, cui Giuseppe Verdi serbò sempre infinita gratitudine, come testimoniato da numerosi suoi scritti e dalla dedica al suocero nel 1847 del Macbeth.

Antonio Barezzi morirà a Busseto nel 1867, dopo aver pianto nel 1840 la perdita dei due nipotini e della figlia Margherita.

Le sue spoglie riposano nella Cappella della Famiglia Barezzi nel cimitero di Busseto, restaurata nel 1994 dall'Associazione Amici di Verdi.

A lui il Comune di Parma ha intitolato, con delibera del 23 luglio 1954 il piazzale a fianco del Teatro Regio.

Sito web : http://www.antoniobarezzilive.it/

09 Agosto 2008 - Altopiano del Montasio (Sella Nevea) - I Visionari

2008-08-07T13:51:00.000-07:00

Sabato avremo l'onore di chiudere la stagione estiva di Moonlight Records on the road in un contesto fantastico. E chi poteva essere l'artista.... Ci vediamo sabato

Le note di Bollani chiuderanno l’edizione 2008 del No Borders Music Festival di Tarvisio.

L’atteso concerto di Stefano Bollani- I VISIONARI si terrà sabato 9 agosto sull’Altopiano del Montasio a Sella Nevea (ore 17.00).

Bollani compositore abbiamo avuto modo di conoscerlo nei due dischi dell' Orchestra del Titanic, anch'esso un quintetto che includeva fra gli altri Antonello Salis alla fisarmonica. Nei due dischi Label bleu troviamo ancora brani usciti dalla sua penna, pensati per il proprio pianoforte. Questo nuovo gruppo, composto da giovanissimi talenti, ha un repertorio interamente nuovo, scritto per questa formazione, la cui caratteristica principale sembra essere l'energia e l'eclettismo dei componenti. Basta seguire il loro percorso artistico per rendersi conto che fra le pieghe del gruppo ne è passata di musica: pop d'autore, sperimentazione, musica classica, hard bop.... e via dicendo. Tutto ciò porta a una musica frizzante che sfugge amabilmente a qualsiasi collocazione. Per quanto i suoi interessi siano molteplici e a 360 gradi, il suo percorso è stato lineare: diploma in pianoforte presso il conservatorio Cherubini di Firenze, cui segue una breve esperienza nel mondo delle tourne pop (tastierista di Raf e Jovanotti). Esordisce professionalmente all’età di 15 anni e da allora ha avuto modo di partecipare a più di 70 incisioni discografiche e a concerti in tutti i più importanti festivals del mondo, da Umbriajazz a Montreal, da Saalfelden al North sea, suonando su palchi prestigiosissimi come la Scala di Milano e la Town Hall di New York. Vince il referendum della rivista Musica Jazz nel 1998 e il Django d'or italiano nel 2000, entrambi nella categoria giovani talenti. La rivista giapponese Swing Journal gli conferisce nel 2003 il New Star Award, prima volta per un musicista europeo. Secondo la classifica pubblicata dalla stessa rivista, nel mese di luglio il suo disco Falando de amore, uscito solo in Giappone, è al primo posto nelle vendite jazz. Nel settembre 2003 riceve a Napoli il premio Carosone. Ci sarà Mirko Guerrini al sassofono e flauto, Nico Gori al clarinetto e sassofono, Ferruccio Spinetti al contrabbasso e Fabio Accardi alla batteria e percussioni.

concerto di Stefano Bollani si terrà alle ore 17.00 sull'altopiano del Montasio (1500 metri s.l.m.).

Ecco come raggiungerlo:

Da Tarvisio: proseguire verso Cave del Predil e quindi Sella Nevea.

Da Udine: Si può raggiungere Sella Nevea anche da Chiusaforte attraverso la Val Raccolana.

Da Sella Nevea si consiglia di raggiungere l'altopiano del Montasio A PIEDI:

si consiglia una bella passeggiata lungo il sentiero CAI 625 (partenza dal piazzale di arrivo della pista) circa un'ora fino alla Malga Cragnedul (m 1517) e poi un'altra ora di attraversata in quota lungo la strada forestale per arrivare all'altopiano.

la seconda possibilità più facile ma meno spettacolare è lungo la strada asfaltata che in 6 km (con un dislivello di 300m circa) porta all'altopiano prestando attenzione alle navette che circoleranno su questo tragitto dalle ore 10.00 alle ore 16.00 - (questa strada può essere percorsa anche dai ciclisti - allenati)

PARCHEGGI:In quota esiste un parcheggio con una capienza massima di 150 posti.Esauriti i posti disponibili non sarà più possibile raggiungere l'altopiano in macchina.Non si permette il transito di vetture con meno di 3 persone a bordo.La salita così come la discesa delle macchine sarà rigorosamnte REGOLATA dalle ore 15.00 alle ore 20.00.

SERVIZIO di BUS NAVETTA (GRATUITO) :il servizio di Bus Navetta sarà disponibile dalle ore 10.00 con partenza dal parcheggio della Cabinovia del Canin.Tempo di percorrenza 20 minuti circa.Per motivi logistici e non disturbare il concerto il servizio verrà sospeso alle ore 16.15.Per questo motivo sconsigliamo di arrivare all'ultimo momento e di approfittare dell'occasione per trascorrere una giornata o almeno un pomeriggio nella natura!Il servizio riprenderà dopo il concerto per la sola discesa del pubblico.

HAPPY ENDING PARTY!!!! Dopo il concerto Vi aspettiamo numerosi presso la spiaggia del PIT STOP, Lago Di Cave del Predil per festeggiare insieme la chiusura della 13. edizione del No Borders Music festival con:

DJ SET, Grigliata, Buffet di piatti freddi,Cocktail bar e molto altro....ingresso gratuito

Martedi 5 Agosto - Cervo Ligure : Stefano Bollani solo in Carioca

2008-08-05T02:12:00.000-07:00

Dopo la bellissima serata di ieri sera a Cremona eccoci pronti a partire per la Liguria.
Il borgo, molto bello, è Cervo Ligure. All'interno del festival internazionale organizzato dall'attivissimo comune per la felicita' dei turisti. Stasera Stefano avrà la possibilita' non solo di far emergere il suo grande talento divertendosi con il pubblico con melodie e improvvisazioni mai banali, ma anche la possibilita' di soddisfare l'audiofilo piu' esigente grazie alla grandissima acustica del luogo.

Alcuni cenni storici sul festival

Nato da una felice intuizione del grande (e compianto) Sandor Vegh nel lontano 1964, il Festival Internazionale di Musica da Camera di Cervo è oggi una delle manifestazioni culturali di spicco della Regione Liguria, affermata a livello nazionale e mondiale.

Il violinista ungherese scoprì la straordinaria acustica del Sagrato della Chiesa dei Corallini quasi per caso. Decise allora, in collaborazione con l’Amministrazione Comunale e con alcuni amici musicisti, di dare vita ad una manifestazione musicale: così Cervo, incantevole borgo medievale a picco sul mare che già ospitava artisti come Felice Casorati, Henry Furst, Adalberto Campagnoli, divenne il punto di richiamo di personalità del mondo della cultura e dell`arte.

Ricordiamo Michelangeli, Richter, Kempff, Annie Fisher, Pollini, Cziffra, Magaloff, Cherkassky, Boukoff, Argerich, Ciccolini, Weissenberg, Kocsis, Demus, Swann, Badura-Skoda, Thiollier, Schiff, Vegh, Menuhin, Gitlis, Ughi, Accardo, Kogan, Zimmermann, Gazzelloni, Rampal.

Presentare un festival di musica classica in questo modo, con un elenco di nomi, può risultare atipico, inadeguato, forse anche scortese. Ma chiunque, non solo agli appassionati, leggendo questi nomi potrà riconoscere in essi la forza che sono in grado di evocare: questi musicisti rappresentano, ognuno in modo personale e sublime, il vertice estetico di oltre tre secoli di produzione musicale.

E il sagrato dei Corallini di Cervo ha avuto l`onore di ospitare l`esibizione di ognuno di loro.

Per questo non è sufficiente magnificare in modo tradizionale le qualità del nostro Festival, della suggestiva piazza dove si svolge e dell’architettura medioevale che nobilita il campo visivo, perché ogni singolo e già meraviglioso particolare del luogo è stato sublimato dal passaggio di questi numi della musica classica e da loro è stato reso immortale.

Sándor Végh (Koloszvár, Ungheria 17/5/1912 – Salisburgo, 7/1/1997)

Sándor Végh fu uno dei maggiori violinisti del XX secolo. Iniziò a studiare pianoforte e nel 1924 intraprese gli studi di violino al Conservatorio di Budapest con Jenö Hubay e di composizione con Zoltán Kodály. Esordì nel 1927 con un lavoro di Richard Strauss sotto la sua direzione. Si diplomò nel 1930, con importanti premi alle spalle. Fece parte del Trio Ungherese con Ilonka Krauss e Laszlo Vencze. Nel 1934 fondò il Quartetto d’archi ungherese e con esso partecipò nel 1936 alla prima esecuzione del Quartetto per archi n. 5 di Béla Bartók. Nel 1940 fondò il Végh String Quartet e divenne professore dell’Accademia musicale Liszt di Budapest. Lasciò l’Ungheria con il suo quartetto nel 1946. L’ensemble diede concerti fino alla metà degli anni ’70; Végh nel frattempo si esibiva anche come solista. Insegnò ai corsi di perfezionamento di Zermatt esibendosi annualmente al Casals Prades Festival (1953-69). Insegnò inoltre presso i conservatori di Basilea, Friburgo in Breisgau, Düsseldorf e al Mozarteum di Salisburgo.
Fondò il Festival di Musica da Camera di Cervo nel 1962 e la Sándor Végh Chamber Orchestra. Diresse la Marlboro Festival Orchestra e la Camerata Academica del Mozarteum, con la quale incise i divertimenti e le serenate di Mozart (Grand Prix du Disque). Fu insignito del Cavalierato della Legion d’Onore, del Dottorato honoris causa presso le università di Warwick ed Exeter, dell’onorificenza di Comandante dell’Impero Britannico (CBE) e della Medaglia d’oro di Salisburgo. Si spense dopo una breve malattia nell’ospedale di Freilassing, al di là del confine con Salisburgo.

“Lei ci propone una cosa più grande di noi” rispose nel 1963 l’allora Sindaco Maria Raimondo al Maestro Sándor Végh che le manifestò l’intenzione di realizzare a Cervo un Festival di Musica da Camera.
Il grande violinista, che era stato affascinato dal nostro borgo medioevale, fece una proposta che gli amministratori di allora ebbero il coraggio di raccogliere, ed è nata una delle manifestazioni più prestigiose della Liguria in campo artistico-musicale. Come cervesi non saremo mai abbastanza grati al Maestro Végh, anche per questo, mi è parso giusto in occasione della quarantatreesima edizione, ricordarlo proponendo ai nostri ospiti una sua breve biografia.

Notizie tratte dal sito del comune di Cervo
www.cervo.com

lunedì 4 agosto Cremona : Rava Bollani ossia The Third Man

2008-08-04T09:10:00.000-07:00

Bollani si è diplomato al conservatorio di Firenze nel 1993 e dopo una breve esperienza pop con Raf e Jovanotti è diventato velocemente uno dei jazzisti italiani più apprezzati da critica e pubblico. Ha collaborato con molti grandi musicisti, come Gato Barbieri, Lee Konitz, Pat Metheny, Michel Portal, Enrico Rava, Paolo Fresu, Richard Galliano, Han Bennink e Phil Woods. La collaborazione più importante e prolifica è quella col suo mentore, il trombettista Enrico Rava. Nel 1998 Bollani vince il premio della rivista Musica Jazz come miglior nuovo talento, premio conferitogli anche dalla rivista giapponese Swing journal (New Star Award) nel 2003, anno in cui la rivista inglese Mojo segnala il suo disco Smat Smat come uno dei migliori dell'anno. Tra gli ultimi lavori I Visionari (2005), in formazione di quintetto, Piano Solo (2006), The Third Man (2007), con il trobettista Rava, e l'ultimo BollaniCarioca (2007) in cui il pianista con alcuni altri musicisti rivisita brani della tradizione brasiliana. Sempre nel 2007 Bollani vince il prestigioso Hans Koller European Jazz Prize come migliore musicista europeo dell'anno 2007.

«Suona solo le note necessarie. Le altre cerca di non suonarle»: questo il consiglio che l'amico João Gilberto dava a Enrico Rava quando erano insieme a New York, negli anni Settanta. Un consiglio difficile da seguire per un uomo dalla personalità prorompente e dalla creatività fertilissima, una scelta irrinunciabile per un artista che voglia distillare pure emozioni nella sua musica. Enrico Rava, uno dei più grandi jazzisti italiani, è entrambe queste cose; e lo racconta nelle pagine del libro che avete fra le mani, frutto di sei anni di conversazioni e interviste con il giornalista e critico musicale Alberto Riva. Alternando vicende personali, incontri eccellenti, giudizi sul proprio lavoro e quello altrui, divagazioni, sfoghi, confessioni e bilanci, la viva voce di questo "poeta della tromba" ci accompagna in un lungo viaggio intorno al mondo (da Torino a New York, da Londra a Buenos Aires alle colline della Liguria, secondo le mille vocazioni di un animo da nomade) che è anche un appassionante viaggio intorno al jazz, ai suoi stili, ai suoi strumenti e ai suoi personaggi. E a fare da colonna sonora, in esclusiva mondiale per i lettori di minimum fax, la prima raccolta antologica dei brani più belli di Enrico Rava, selezionati dall'autore.

Commento :
Ci sono lavori e lavori. A noi della moonlight records quest'anno tocca di ascoltare per l'ennesima volta un concerto del duo bollani - rava ; come disse qualcuno : è un duro lavoro ma qualcuno deve pur farlo !!!!

Bravissimi. Ogni concerto è un'emozione reale. In bocca al lupo a tutti e due.

31 Luglio - Orchestra Baobab Live al Milano Jazzin Festival

2008-07-31T01:45:00.000-07:00

Questa sera Africa, Cuba e Europa si incontreranno in un raffinatissimo concerto che Milano avra' l'onore di ospitare. Non potevamo non esserci e quindi ci troverete come al solito all'entrata. Dopo il concerto di Mavis Staples ( straordinario ) ecco un nuovo appuntamento che fa entrare finalmente milano tra le principali capitali europee anche per la musica piu' raffinata e lontana dai tradizionali circuiti commerciali. Complimenti ancora una volta agli organizzatori del Milano Jazzin Festival che hanno dato alla nostra citta' la possibilita' di vivere un mese ad altissimo livello.

Riportiamo di seguito la recensione apparsa su All About Jazz di Enrico Bettinello

Tra le cose più belle successe nella già ricchissima produzione musicale senegalese, il ritorno nel 2002 di un'orchestra importante come l'Orchestra Baobab è stato accolto ovunque con grande entusiasmo, consentendo alla stampa generalista di surfare l'onda lunga del filone “buenavistasocialclub” [le cose sono ben diverse in realtà] e agli appassionati di musica africana di riappropriarsi di una delle formazioni più cosmopolite e interessanti.
Nuovo disco ora, Made in Dakar, forte di un parco voci molto nutrito - ben sei solisti, ma anche un ospite illustre come Youssou N'Dour - dei sassofoni pungenti e dell'inconfondibile chitarra di Barthélemy Attisso: la formula afro-latina è oliata e ormai si configura come un linguaggio, sebbene di sintesi, a se stante, nel quale la varietà delle esperienze dei componenti - la cui provenzienza è varia, da Togo alla Casamance, dal Mali alla Guinea Bissau - gioca una componente fondamentale.

L'mbalax si fonde così con il calypso, l'highlife con la rumba, con dolcezza e una varietà armonica che lascia intravvedere tante sfumature, da una attenzione “internazionale” al suono alla spontaneità delle loro serate in club, il tutto grazie all'ottima produzione di Nick Gold. Nuovo, vecchio, sono concetti che hanno poca rilevanza di fronte alla fluidità e all'emozione che questa musica porta con sé. Che meraviglia!

Elenco dei brani: 01. Pape Ndiaye; 02. Nijaay; 03. Beni Baraale; 04. Ami kita bay; 05. Cabral; 06. Sibam; 07. Aline; 08. Ndéleng Ndéleng; 09. Jirim; 10. Bikowa; 11. Colette.

Musicisti: Balla Sidibe, Rudy Gomis, Ndiouga Dieng, Medoune Diallo, Assane Mboup (voce, percussioni); Barthélemy Attisso, Latfi Benjeloun (chitarre); Issa Cissoko, Thierno Koite (sassofoni); Charlie Ndiaye (basso); Mountaga Koite (percussioni); Youssou Ndour (voce); Ibou Konate (tromba); Sanou Diouf (sax tenore); Baba Nabe (chitarra); Jesus "Aguaje" Ramos (trombone); Thio Mbaye, Assane Thiam (percussioni).

Stile: Etnica

Valutazione: 4 stelle

Data di pubblicazione: 03 March 2008

Dal Corriere Della Sera Di Oggi

Da Dakar al mondo. Pochi gruppi africani hanno alle spalle una storia da romanzo come l'Orchestra Baobab, giovedì 31 sul palco del «Milano Jazzin' Festival». Nome leggendario, la Baobab suonava i ritmi preferiti dal presidente-poeta del Senegal Léopold Sedar Senghor (dopo l'indipendenza dalla Francia, conquistata nel 1960), unendo le sonorità africane e quelle cubane, segno di un'internazionale tropical-socialista fatta di percussioni e chitarre elettriche. Il genere si chiamava «varieté », si ascoltava nel cosmopolita «Baobab club» (da qui il nome della formazione) di Dakar e negli anni 70 era persino esportato a Parigi. Dopo quasi due decenni di successi, l'Orchestra guidata dal chitarrista (e avvocato) Barthelemy Atisso si scioglie nel 1985.
I tempi cambiano e un giovane cantante di nome Youssou N'Dour inventa il 'mbalax con ritmi più aggressivi e apprezzati dai giovani. È il chitarrista Latfi Benjeloum, «portavoce» dell'orchestra, a raccontare il mix che li portò alla popolarità: «A fine anni 60 abbiamo avuto il coraggio di essere eclettici: pezzi afro-cubani, rumba, jazz, qualcosa dal soul, e sorprendevamo con una cover di James Brown. È stato il segreto del nostro successo ».
Dopo 17 anni di oblio, nel 2002 il produttore inglese Nick Gold, che aveva firmato l'operazione Buena Vista Social Club, decide di rilanciare la Baobab (nella foto, il sassofonista Issa Cissoko). Parte la ricerca dei musicisti fra Togo e Senegal e l'Orchestra torna in studio per «Specialists in all Styles», seguito lo scorso anno da «Made in Dakar». Il successo all'estero ha fatto di nuovo innamorare i senegalesi, fieri di un'orchestra che suona ogni composizione come fosse l'inno nazionale. «C'è un brano, "Nijaay"— racconta Benjeloum — con un testo ironico pieno di consigli per donne sposate che molti senegalesi addirittura ricordano a memoria».
In scaletta molto altro: la rumba d'annata di «Aline», il chachacha di «Jirim» e il ritmo che richiama la Giamaica di «Colette». «La nostra musica — continua il chitarrista — faceva impazzire i genitori dei ragazzi che oggi ascoltano l'hip hop: il nostro repertorio rappresenta le loro radici, compresi i legami con le Americhe». In segno di amicizia fra generazioni, Youssou N'Dour a Lione è salito sul palco con i signori della Baobab, tracciando un ponte fra il successo di 35 anni fa e il brillante presente dell'Orchestra.

Martedi 29 : Mavis Staples : Il concerto piu' atteso e noi ci saremo

2008-07-28T13:56:00.000-07:00

Molti pensano che il concerto piu' importante dell'estate milanese siano stati i Rem oppure Paul Simon. Senza discreditare nessuno noi siamo sicuri che il nome piu' bello che appare in questa estate sia la strepitosa Mavis Staples. In Lei c'è la parte piu' bella e genuina della musica. Al di fuori degli standard dello show bussiness Mavis incarna lo spirito libero della musica vista come esperienza di qualcosa che sta al di fuori di noi e ci da il coraggio di affrontare la quotidianita' con maggior gioia. La musica di Mavis è ringraziamento, lotta, voglia di cambiare : la musica di Mavis Staples è il Blues dell'uomo.

E' forse il concerto che Moonight Records ha sempre desiderato esserci. Signore e Signori Mavis Staples

Ry Cooder Produces; Backing from Original Freedom Singers, and Ladysmith Black Mambazo.

"Like many in the civil rights movement, The Staple Singers drew on the spirituality and strength of the church to help gain social justice and to try to achieve equal rights," says Mavis. "With this record, I hope to get across the same feeling, the same spirit and the same message as we did then - and to hopefully continue to make positive changes. Things are better but we're not where we need to be and we'll never turn back."

Soul/gospel legend Mavis Staples recently completed work on We'll Never Turn Back, the most personal and polemical album of her career. Set for April 24 release, the album was produced by Ry Cooder, and marks Mavis' debut for Anti- Records.

We'll Never Turn Back combines raw, emotional, contemporized versions of some of the freedom songs that provided the soundtrack to the civil rights movement of the 1950s/60s, along with other traditional songs, and new originals written by Mavis and Ry.

PHOTO (l-r): Ry Cooder, Mavis, Jim Keltner at the studio. © 2006 Susan Titelman; courtesy use.

Soul music authority Rob Bowman ('Soulsville USA: The Story of Stax Records') listened to We'll Never Turn Back and had this to say:

"For over fifty years, Mavis Staples has been a national treasure, working her vocal magic on the highways and byways of gospel, folk and soul music. With both her family group, the Staple Singers, and as a solo artist in her own right she has helped to define much of what is righteous and soulful in American music. In the early 1960s, the Staple Singers began to work with Dr. Martin Luther King singing in support of the Civil Rights movement.

With We'll Never Turn Back, Mavis Staples has come full circle, singing songs that were seminal to a movement and time that helped form her as an artist. Alongside songs that were inextricably part of the Civil Rights movement, many of them associated with the Freedom Singers, Mavis co-wrote the title track with producer and guitarist extraordinaire Ry Cooder, sings a Cooder original, "I'll Be Rested," and opens the CD with a cover of bluesman J.B. Lenoir's "Down in Mississippi," connecting the disc to her own roots down South.

For many artists, such a project would be an exercise in recreating period pieces in much the same way that museums present the past as freeze-frame tableaux. Mavis takes a different path, personalizing the record, ad libbing spoken and sung commentary on several songs, connecting the lyrics to her own life, her family and, perhaps most tellingly, to the very real issues of today. Ry Cooder with the help of his son Joachim, drummer Jim Keltner, bassist Mike Elizondo, many of the original Freedom Singers and South African choir Ladysmith Black Mambazo, creates soundscapes for Mavis' deep-in-the-well, heart felt vocals that redefines much of the material while simultaneously casting it in a rich, vibrant deeply rooted past.

We'll Never Turn Back may have started off as an homage to a period in which everyday citizens exhibited incredible bravery and, in the process, wrought incredible changes to American society. It ended up being a deeply personal account of Mavis' life from childhood days in Mississippi, through the Civil Rights era and on up to her current anger and indignation over the fact that many Americans are still treated as second class citizens. The net result is perhaps her greatest life work and one of the most moving albums this writer has ever heard. If there is any justice, We'll Never Turn Back will inspire many of us to find bravery in our own hearts, conquer the rampant apathy that blankets our society and take action to right the wrongs in our present day society."

Track listing:

1. "Down In Mississippi"
2. "Eyes On The Prize"

3. "We Shall Not Be Moved"
4. "In The Mississippi River"
5. "On My Way"
6. "This Little Light"
7. "99 And A Half"
8. "My Own Eyes"
9. "Turn Me Around"
10. "We'll Never Turn Back"
11. "I'll Be Rested"
12. "Jesus Is On The Main Line"

Ed infine un omaggio all'amico Gino :

24 Luglio - Joan Armatrading - MJF - Milano, Arena Civica

2008-07-24T04:29:00.000-07:00

Il 24 Luglio saremo presenti all'arena di Milano in occasione del concerto di Joan Armatrading.

Stasera alle 21.30, all’Arena civica per Milano Jazzin’ Festival, concerto di Joan Armatrading, cantante e autrice anglo-caraibica, nominata per tre volte ai Grammy. Prima artista inglese ad aver debuttato al numero uno nella classifica blues di Billboard e a essere nominata, nella stessa categoria, per la vittoria del Grammy. Joan Armatrading è autrice di brani quali Love and affection, Willow, Drop the pilot and lovers speak, che hanno saputo reggere il passare del tempo. Il suo pop elaborato trae influenza anche dal mondo del reggae, del jazz e del rhythm & blues mentre i suoi testi sono decisamente introspettivi.

Chitarra, voce e una vocazione per il pop d'autore. A 57 anni la cantautrice anglocaraibica Joan Armatrading, personaggio di culto fin dagli anni 70, lancia una nuova fase della sua carriera ritornando a una vecchia passione: il blues. Questa sera a «Milano Jazzin' Festival» la vocalist presenta i brani dell'ultimo disco (uscito l'anno scorso) «Into the Blues», album che dimostra ottime doti chitarristiche e conferma le tonalità calde e intense della sua voce. «Da anni volevo realizzare un progetto dedicato a personaggi come Muddy Waters e B.B. King, finalmente ci sono riuscita, rendendo omaggio ai maestri ma continuando un percorso di ricerca personale».
Non a caso la Armatrading, fin dallo straordinario debutto del 1972 con «Whatever's for Us», ha unito pop, folk e rhythm 'n' blues senza perdere di vista uno stile originale, basato su melodie semplici ma di impatto, e su doti vocali che rimandano a una gamma di suggestioni, dal rock acustico al soul. «Dopo trentacinque anni di carriera ho capito che tutti i cambiamenti, anche quelli a prima vista incomprensibili, come le nuove tendenze del rock, hanno qualcosa di buono. Per questo ho voluto sperimentarmi con generi lontani dal folk pop, come il reggae giamaicano o con versioni del pop più commerciali». Consapevole di aver firmato anche album di qualità altalenante fra gli anni 80 e 90, il disco più recente e i concerti restituiscono una Armatrading in ottima forma, vicina alle stagioni di massimo successo, come quella legata all'album «Me, Myself, I», del 1980, successo di vendite e critica in Inghilterra e negli Stati Uniti.
A fine anni 90 la grande popolarità e l'attenzione dei media tornano per un'occasione speciale, Joan scrive il brano «The Messenger» per il leader sudafricano Nelson Mandela e lo esegue per lui in un concerto privato a Londra nell'aprile del 2000. «Credo che Mandela sia una delle persone più carismatiche del pianeta. A 90 anni resta un esempio per il suo popolo e per chiunque abbia a cuore valori come la libertà e il coraggio delle proprie idee. Resta per me memorabile aver cantato accanto a lui mentre danzava divertito». Per Milano Jazzin' Festival la cantautrice anglo- caraibica si presenta alla guida di un collaudato quartetto con Gary Foote alla batteria, flauto e sax, Spencer Cozens alle tastiere e John Giblin al basso.

JOAN ARMATRADING GROUP Milano Jazzin' Festival. Giovedì 24 luglio. Ore 21.30. Arena Civica «Gianni Brera». Ingr. 16,50 euro.
Fabrizio Guglielmini

23 Luglio 2008 - Paolo Fresu - Uri Caine

2008-07-22T03:24:00.000-07:00

Il 23 Luglio avremo il piacere di essere presenti all'Arena di Milano in occasione del concerto di Paolo Fresu e Uri Caine. Il duo presenterà il loro cd del 2006 Things edito dalla Blue Note e di cui Vincenzo Roggero su All About Jazz Italy scrive :

Uno, Paolo Fresu, sta esportando da oltre vent'anni in tutto il mondo la freschezza e la qualità del jazz italiano, è titolare di progetti che esplorano un ampio spettro di interessi non solo musicali, oltre a essere la vulcanica mente del festival di Berchidda, rassegna tra le più originali e apprezzate del panorama jazzistico estivo. L'altro, Uri Caine, è stato uno dei riferimenti della scena downtown newyorchese, si è abbattuto come un ciclone sulle Variazioni Goldberg di Bach, le sinfonie Mahleriane, i Lieder di Schumann, ha flirtato con l'elettronica, il rock e l'Otello di Verdi, ed è una delle menti più aperte e lucide dell'attuale scena musicale.
Cosa può accomunare due personalità così forti, provenienti da due mondi distanti geograficamente e culturalmente, con una visione musicale, sì a 360 gradi, ma dalle coordinate interne significativamente differenti? Una certa sensibilità comune, potremmo dire, ma soprattutto la curiosità di cercare punti d'incontro su nuovi territori di scambio, associata ad una grande predisposizione all'ascolto reciproco.

Dopo anni di incroci e concerti sparsi qua e là per la penisola esce finalmente la prima testimonianza discografica del duo. In Things il dialogo avviene sostanzialmente sul terreno invitante ma infido degli standard, inframmezzati da brevissimi inserti firmati dal duo e da una manciata di brani originali. Chi si aspettava colpi ad effetto, sorprese a go-go, scintille ad ogni nota, mondi visionari o arrangiamenti arditi, rimarrà deluso. Perché Things è giocato sui sussurri e non sulle grida, sulle sfumature piuttosto che sui contrasti, ed eleganza, dolcezza e naturalezza sono le parole d'ordine che governano l'intera incisione. Che è una sorta di collana sonora composta da splendide melodie, perle musicali di assoluta purezza, colte nel loro splendore primitivo, valorizzate nella loro intima essenza, esaltate naturalmente, senza ausilio di additivi o di effetti speciali.

E così l'introduzione con il Fender Rhodes ad un brano di Gershwin o ad un'aria di Monteverdi suona del tutto naturale nel clima generale dell'incisione, il pianismo di Caine mantiene un aplomb di stampo accademico sia nelle cadenze swinganti di “Cheek to Cheek“ che in quelle romantiche di “Fishermen, Strawberries and Devil Crab“, mentre la tromba di Fresu non spreca una sola nota nella sua continua ricerca sull'arte della poesia. Due giganti, qui maestri dell'understatement e sapienti dispensatori di profonde emozioni.

Musicisti: Uri Caine (pianoforte,fender rhodes); Paolo Fresu (tromba,flicorno,effetti).

Stile: Modern Jazz

Valutazione: 4 stelle

Data di pubblicazione: 24 August 2006

Come al solito ci vediamo la.

21 Luglio 2008 - Stefano Bollani all'arena di Milano al MJF

2008-07-21T02:18:00.000-07:00

Dopo aver seguito stefano in molte tappe del suo tour nel nord Italia non potevamo certo mancare "a casa nostra". L'appuntamento con tutti voi è quindi in occasione del Milano Jazzin Festival Lunedi 21 Luglio 2008. Come al solito ci troverete all'ingresso sia prima che dopo il festival.

Carioca

Il tempo passa e il mappamondo musicale di Stefano Bollani si arricchisce di nuove terre. Carioca è un lungo viaggio: inizia da lontano e arriva nel cuore di Rio de Janeiro. Dentro il suo zaino immaginario Bollani trasportava passioni antiche. Rovistando a caso: la voce di João Gilberto con il sax di Stan Getz, l’emozione pura di Elis Regina, il pianoforte meditativo e le melodie di Antonio Carlos Jobim. A Jobim, anzi, Bollani aveva già dedicato un intero disco in trio, Falando de Amor. Questa volta però l’obiettivo era andare oltre la Bossa Nova, capire perché il suo sapore era così buono, scoprirne gli ingredienti, le origini, i segreti. Insomma si trattava di andare indietro, verso il Samba e lo Choro, due parole – soprattutto la prima – se non completamente oscure da questa parte dell’oceano, quantomeno fraintese: eppure fondamentali. Il samba e lo choro sono la colonna sonora di Rio de Janeiro: carioca è chi è nato a Rio, come il fiume omonimo, oggi quasi scomparso, che dalla foresta tropicale sfocia nella Baia di Guanabara di fronte alla città. Secondo alcuni lo choro – musica strumentale nata a metà ottocento dall’incontro dei ritmi portati dagli schiavi africani e le polke e i valzer europei già insediatisi a Rio – è il papà del samba: o semmai uno zio molto prossimo. Lo choro lo suonava la gente comune dopo il lavoro: soldati, barbieri, bottegai nelle feste domenicali, nei cortili e sulle verande, e poi nei saloni da ballo. Era una musica per virtuosi, eppure piena di colori, lirismo, fantasia, humor: da subito mi è sembrato il terreno ideale per Bollani. A partire da quel momento l’idea ha cominciato a prendere forma. Il pensiero è andato allora a Zé Nogueira, prestigioso musicista, sassofonista raffinato, perfetto carioca, complice fin da subito di una visione in cui il pianoforte di Bollani diventa la voce per cantare queste canzoni.Lo choro l’abbiamo sempre ascoltato, ma senza saperlo. Per esempio è uno choro quella famosa canzone di Jobim, ‘Falando de amor’, così come ‘La ragazza di Ipanema’ è nient’altro che un samba. Bollani Carioca solleva il sipario su questo spettacolo, e lo fa scegliendo alcuni personaggi straordinari. Il flautista Pixinguinha (1897-1973) è uno dei maestri del genere, di cui Bollani interpreta il fugace ‘Segura ele’; è uno choro la melodia conosciuta in tutto il mondo con il titolo di ‘Tico Tico no Fubà’, firmata dal Zequinha de Abreu (1880-1935). E così pure ‘Doce de Coco’, scritto da un altro leggendario personaggio, Jacob do Bandolim (1918-1969). Nello choro rientra il mondo del valzer, o valsa, come si dice a Rio, ritmo a cui sono affidati i brani più sentimentali, dichiarazioni d’amore e lamenti di saudade: ecco ‘Caprichos do destino’ di Pedro Caetano (1911-1992), commerciante di scarpe e compositore prolifico. Avvertenza, inutile cercare un confine preciso, una linea netta che separi lo choro dal samba, perché non esiste. Esempio è la ‘Valsa brasileira’ di Edu Lobo (1943), con la quale incontriamo un compositore di tutt’altra generazione: insieme al suo coetaneo Chico Buarque (1944), Edu Lobo fa parte dei cosiddetti ‘post-bossanovisti’ e tuttavia, come i loro ‘fratelli maggiori’ della Bossa Nova (esclusi volutamente dal disco), Buarque e Lobo arrivano essenzialmente dal samba. E di Chico Buarque Bollani ha scelto un samba dichiarato, il dolcissimo ‘Samba e amor’. Nel samba detto ‘di radici’ il pianista pesca alcune perle rare: Nelson Cavaquinho (1911-1986), del quale oltre ‘Folhas secas’ (duettata insieme a una delle più belle voci brasiliane, Monica Salmaso) Bollani interpreta ‘Luz Negra’; e poi ‘Ao romper da aurora’ e ‘Choro sim’ di Ismael Silva (1905-1978) e infine uno dei samba emblematici del carnevale di Rio, ‘A voz do morro’ di quel superbo compositore di strada, poeta e bohémien che era Zé Kéti (1921-1999). Suggerito da Zé Renato, l’altra splendida voce invitata nel disco, è invece ‘A hora da razão’, scritto da Batatinha (1924-1997), sambista che da Rio ci porta a Salvador de Bahia. Bollani Carioca è uscito la prima volta nelle edicole per una sola settimana e si è quasi volatilizzato che sia piaciuto così tanto è probabilmente dovuto al calore, la spontaneità, l’allegria e la generosità con cui Bollani è stato accolto dai suoi compagni di avventura. Insieme a Zé hanno fatto la loro comparsa gli altri, Marco Pereira, superbo chitarrista che definisce il suo stile ‘una miscela equilibrata della naturale base di musica brasiliana con la sonorità del classico e il fraseggio del jazz’; il sorridente batterista Jurim Moreira (‘È un piacere suonare con una tale macchina del ritmo, potente e rilassata’ diceva Bollani in sala di incisione); il contrabbassista Jorge Helder (accompagnatore proprio di Chico Buarque, Caetano Veloso e tanti altri) e Armando Marçal, detto ‘Marçalzinho’ perché erede di una celebre famiglia di percussionisti radicata nel cuore antico di Rio de Janeiro. Stefano però non era arrivato a Rio da solo, ma con due grandi jazzisti italiani, Mirko Guerrini e Nico Gori (già del suo gruppo I visionari) i quali hanno partecipato con idee, sassofoni e clarinetti in diversi momenti del disco, soprattutto nell’unico pezzo bollaniano ‘Il domatore di pulci’ (definito da Zé Nogueira uno ‘choro dantesco’: a voi l’ascolto!). Nell’inverno del 2008 dall’incontro carioca è nata una piccola tournée italiana. Il disco che avete tra le mani contiene tre momenti speciali di quei concerti. Il duo con Marco Pereira sul classico samba ‘Na baixa do sapateiro’ di Ary Barroso (1903-1964), e due bis solitari del pianista: ‘Apanhei-te cavaquinho’, uno choro dal sapore tanghistico di Ernesto Nazareth (1863-1934) e ‘Trem das onze’, samba del paulista Adoniran Barbosa (1910-1982), a suo tempo portato al successo anche in Italia da Riccardo Del Turco con il titolo di ‘Figlio unico’ (e da anni presente nello ‘zaino’ di Bollani...). Ah, nota a margine: esattamente come i sambisti scelti per il suo viaggio Carioca (e come tanti jazzisti prima di lui, da Fats Waller a Louis Armstrong), Stefano Bollani inventa, arrangia all’istante, suona meravigliosamente e talvolta canta, e sempre divertendosi un mondo.

Alberto Riva

19 - Luglio - Iseo Jazz Festival 2008 - Giovanni Guidi

2008-07-19T01:29:00.000-07:00

Dopo la presentazione del nuovo cd all'Umbria Jazz siamo felici di poter assistere al concerto di Giovanni Guidi con il suo quartetto all'interno di un festival importante quale quello di Iseo.

ISEO JAZZ E LA SUA STORIA

Nella sua formula attuale, Iseo Jazz nasce nel 1993, sulla base della propensione di Iseo ad ospitare concerti jazz e quindi in linea con una tradizione storica consolidata.

Il festival, diretto artisticamente dal musicologo Maurizio Franco e organizzato dall'Associazione Culturale Musica Oggi e dal Lido di Sassabanek, si è orientato da subito alla documentazione della creatività dei musicisti nazionali, coprendo un grave vuoto programmatico e diventando una vera e propria "casa del jazz italiano", un punto di riferimento nazionale con una visibilità internazionale.

Nel corso degli anni il festival ha proposto tematiche sempre nuove, offrendo uno spaccato della scena italiana senza preclusioni generazionali o stilistiche, realizzando nel contempo un gran numero di progetti speciali commissionati per l'occasione. Progetti che, grazie ai risultati artistici ottenuti, hanno in molti casi trovato posto su disco. Tra questi, ricordiamo quelli di Piero Bassini, Enzo Randisi, The Fringe, Riccardo Luppi, Enrico Intra, Franco D'Andrea & Tony Arco Time Percussion, Franco Cerri Guitar Ensemble, mentre un'ampia documentazione delle varie edizioni del festival è consegnata alle compilation realizzate quasi ogni anno con la CDpM Lion di Bergamo, che nel loro insieme formano un eccezionale spaccato della scena italiana contemporanea.

Da alcuni anni il festival di Iseo, che ha sempre avuto nel Lido di Sassabanek e nelle piazze di Iseo i suoi luoghi di elezione, si svolge all'interno di un circuito di comuni del Sebino e della Franciacorta quali Marone, Sarnico, Chiari, Pisogne, che ospitano importanti serate della rassegna.

Dalla sua prima edizione, Iseo Jazz è la sede della consegna del premio Pino Candini del Top Jazz, assegnato al vincitore nella categoria "miglior musicista italiano" del referendum annuale della critica della prestigiosa rivista Musica Jazz (Hachette-Rusconi). Enrico Rava, Enrico Pieranunzi, Gianluigi Trovesi sono i musicisti a cui sinora è stato consegnato il premio titolato alla memoria del direttore della testata scomparso nel 1996. Alla consegna della targa di Musica Jazz, da alcuni anni Iseo Jazz ha affiancato la consegna dei Premi Iseo, assegnati ad un musicista particolarmente significativo per la sua storia artistica, e ad un operatore, studioso o altra personalità che ha contribuito in maniera significativa allo sviluppo del jazz e dei suoi artefici nazionali. Il Premio Iseo è stato sinora assegnato, tra i musicisti, a Gianni Basso, Franco Cerri, Franco D'Andrea, Tiziana Ghiglioni, Enrico Intra, Enrico Pieranunzi, Enrico Rava, tra gli operatori e le personalità a Giovanni Bonandrini (casa discografica Black Saint-Soul Note), Franco Caroni (Siena Jazz), Adriano Mazzoletti (critico e organizzatore), Luigi Pestalozza (Musica/Realtà) e Walter Veltroni (Sindaco di Roma, promotore della Casa del Jazz).

Per Maggiori Info sul nuovo cd di G. Guidi clicca qui

Brad Meldhau 17 Luglio 2008

2008-07-18T03:13:00.000-07:00

Si, lo so, non è bene mettere che si sarà presenti all'avvenimento quando questo c'è gia' stato. Meglio tacere....
Il problema del mancato avviso è stato che fino alle ore 18.00 non sapevamo ancora se ci sarebbe stato dato il permesso. Spiegato questo che senso ha dar conto della presenza....
Perchè il concerto è stato molto bello ed è un vero peccato che molti quotidiani non lo abbiano riportato. Ne è valsa la pena e il numerosissimo pubblico ( sono rimasto allibito anch'io dalla tanta gente ) non è stato deluso !!! Milano ha fame di buon Jazz.
In regalo vi lascio questo splendido video e a presto ai prossimi appuntamenti

Pat Metheny with Gary Burton all'Arena di Milano

2008-07-16T08:55:00.000-07:00

Il milano Jazzin Festival sta entrando nel vivo e noi di Moonlight Records non potevamo non esserci . Dopo averlo accompagnato lo scorso anno a Villa Arconati in una fantastica session prima in duo con Brad Meldau e poi in quartetto, quest'anno ritroviamo il chitarrista jazz piu' famoso del mondo in una veste potremmo dire antica.

Noi ci saremo e potrete trovarci all'ingresso dell'Arena. Un occhio di attenzione per Antonio Sanchez che proprio per l'italiana Cam Jazz ha inciso il suo primo disco da solista. ( purtroppo non potremo averlo questa sera in quanto esaurito )

Altro da dire non c'è nulla se non buon divertimento

Buone vibrazioni jazz con Metheny e Burton

Il chitarrista nel «Quartet Revisited» del suo scopritore. Quattro musicisti che hanno fatto la storia del genere al Jazzin' Festival

Non tutti sanno che Pat Metheny, celebre asso della chitarra, ha iniziato a farsi conoscere fra il 1974 e il '77 al fianco del vibrafonista Gary Burton, uno dei più grandi scopritori di talenti di tutta la storia del jazz. Burton ha sempre apprezzato in modo speciale le qualità di Metheny e da anni cercava l'occasione di suonare nuovamente con lui. «Alla fine sono riuscito a riprendere la formazione degli anni Settanta», ha dichiarato pochi mesi fa. «Come allora, al basso elettrico c'è un altro grande musicista, Steve Swallow: con lui suonavo fin dai tempi in cui eravamo la sezione ritmica di Stan Getz, allora ero io il ragazzino sconosciuto...». Nel «Quartet Revisited», che arriva stasera all'Arena, con Pat e Steve si sono succeduti vari batteristi, in particolare Bob Moses e Danny Gottlieb. Alla fine Burton ha fatto una scelta diversa. «Mi sarebbe piaciuto portare in tournée il fantastico Roy Haynes, che era anche lui nel gruppo di Getz e ha suonato spesso con me fra i Sessanta e i Settanta. Ma Roy ha 82 anni: suona ancora con la freschezza di un ragazzino, ma non ha molta voglia di stancarsi in tour». Così, il batterista del quartetto sarà Antonio Sanchez, astro nascente dello strumento, membro da qualche tempo del Pat Metheny Group e scelto dal chitarrista anche per il suo recente e bellissimo disco in trio, «Day Trip». Ma certo la serata all'Arena a molti permetterà di scoprire la finissima arte inventiva di Gary Burton, 65enne proveniente dall'Indiana e da molti anni legato a Boston e alla locale, celeberrima scuola di jazz, il Berklee College. Prima di lui il vibrafono nel jazz era appannaggio della sensibilità neroamericana: Lionel Hampton ne aveva esplorato il lato più selvaggio e danzante, Milt Jackson la percussività severa e angolosa, Bobby Hutcherson l'ascendenza africana. Burton ha saputo estrarne la ricchezza armonica e i colori pastello, rivoluzionando la tecnica grazie all'uso contemporaneo di quattro martelletti (con cui realizza ricchi accordi che richiamano il pianoforte di Bill Evans) e alla sofisticata capacità di realizzare dei glissando, ammirata anche dagli esecutori classici. Un maestro che non cessa di inventare.

Rapallo 10 Luglio "Stefano Bollani" Piano Solo.

2008-07-07T14:14:00.000-07:00

La nostra settimana Live in liguria continua il 10 di Luglio con il concerto di Stefano Bollani. Anche in questo caso sara' possibile venirci a trovare al nostro mitico banchetto. Reduci dal bellissimo concerto di Reggio Emilia dove Stefano è stato il grande protagonista della piazza insieme a Charlie Chaplin anche il pubblico ligure potrà ascoltare uno dei piu' grandi talenti del Jazz italiano.

Una preghiera a qualche editore che dovesse malaguratemente passare in questo blog. Il concerto di Reggio è stato registrato.... producete il dvd dei tre film di Chaplin con la colonna sonora del nostro.... Non ve ne pentirete.

Martedi 8 Luglio Charles Lloyd + Carla Bley + Fresu

2008-07-07T14:05:00.000-07:00

Giornata Storica l'otto luglio pe la Moonlight Records. Infatti nello stesso giorno avremo il piacere di essere presenti sia al Jazzin Festival di Milano dove il grande vecchio del Jazz Charles Lloyd farà capire il significato della parola Jazz. Ma non è finita. Infatti grazie alla capacita' di sdoppiarsi Moonlight Records sara' presente anche a Camogli per Carla Bley che presentera' il suo ultimo lavoro con la straordinaria partecipazione del nostro Paolo Fresu.

Vi aspettiamo numerosi.

Charles Lloyd sul Corriere della Sera

Anche Milano ha il suo festival estivo che esibisce la parola jazz e poi propone un'indigestione di pop e rock. Con la scusa che tanto lo fanno anche gli altri (una volta ai bambini si poteva almeno replicare: «Ma se Pierino si butta nel pozzo, ti butti anche tu?») e con l'aggravante che il jazz-jazz, su 23 concerti, non supera a voler essere generosi il 40 per cento. Per fortuna ci sono alcuni nomi davvero buoni, che speriamo diano al grande pubblico la misura della differenza fra musiche così piattamente accatastate.
Come il vecchio Charles Lloyd, che dall'alto delle sue settanta primavere apre domani sera la serie dei grandi nomi, affiancato peraltro da tre giovani che dimostrano l'ottima salute del jazz attuale. Sassofonista, flautista e più in generale polistrumentista, Lloyd è una figura atipica della scena musicale contemporanea. La sua fama risale a metà degli anni Sessanta, quando (dopo aver militato in gruppi à la page come quelli di Chico Hamilton e di Cannonball Adderley, si costruì un quartetto su misura per la propria musica che da un lato guardava alle aperture free di John Coltrane, dall'altro alle nascenti tendenze psichedeliche giovanili: non a caso il suo fu il primo gruppo a essere ospitato al Fillmore West, «tempio» del pop californiano.
Ma Lloyd si mostrava anche ottimo talent scout: quel gruppo era completato da tre giovanotti che si chiamavano Keith Jarrett, Cecil McBee e Jack DeJohnette. Fin troppo esposto mediaticamente, Lloyd conobbe una fase oscura dalla quale riemerse (dopo aver collaborato perfino con i Beach Boys) negli anni Ottanta. Al suo fianco, un altro giovane prodigio del pianoforte: Michel Petrucciani. Da allora il sassofonista ha imboccato quella che potremmo chiamare la sua lunga fase matura: guida gruppi sempre ricchi di formidabili personalità (per limitarci ancora ai pianisti, si sono succeduti nel tempo Bobo Stenson, Brad Mehldau, Geri Allen), ha inciso (soprattutto per Ecm) dischi molto suggestivi, ha focalizzato una precisa logica esecutiva nella quale la sua pronuncia sempre un po' sfuggente, polverosa, suggestiva come una bella fotografia un po' sfuocata alterna toni declamatori e afflati spirituali. La ritmica è la stessa del recente album «Rabo de Nube»: Jason Moran è un pianista di gran rilievo, di quelli che stanno scrivendo la storia dello strumento; Reuben Rogers è un sontuoso contrabbassista; il colorito Eric Harland uno dei batteristi più richiesti della scena attuale.
MILANO JAZZIN' FESTIVAL Arena Civica, viale Byron 2

Sabato 5 Luglio - Stefano Bollani plays Chaplin

2008-07-04T01:33:00.000-07:00

Moonlight Records "on the road" sara' presente a Reggio Emilia in occasione del concerto che Stefano Bollani terra' in Piazza Prambolini con un piccolo banco vendita dove sarà possibile acquistare i piu' bei cd di Stefano. Vi aspettiamo numerosi per conoscervi. Di seguito il comunicato stampa dell'evento.

COMUNE DI REGGIO EMILIA

OST Original Soundtrack
terza edizione 2008

REGGIO EMILIA PIAZZA PRAMPOLINI
5 - 29 luglio 2008
Musica e cinema di nuovo insieme

Giunto alla sua terza edizione, e ormai accreditato fra le maggiori rassegne dedicate alla musica per il cinema, il Festival OST- Original SoundTrack 2008 può finalmente esprimere a pieno la sua vera vocazione: che è quella di produrre eventi con i suoni e con le immagini; di riprodurre creativamente i legami e le relazioni che da sempre il cinema e la musica intrattengono; di dare vita a sogni, nuovi e antichi insieme, sul palcoscenico.
Che cosa può nascere dall’incontro fra l’arte assoluta di Charlie Chaplin e il genio irriverente di Stefano Bollani? Che cosa può succedere sul palco, quando Gino Paoli e Danilo Rea decidono di confrontarsi con l’immenso, multiforme repertorio delle canzoni da film? E se chiediamo ad una band di jazzisti incalliti come gli High Five di dedicare un concerto nientemeno che ad Alberto Sordi, quale singolare groove potrà uscire fuori? E la danza di Mauro Bigonzetti con il suo Aterballetto, quali forme e gesti assumerà, se messa a confronto con il linguaggio altrettanto silenzioso del cinema muto?
Un cartellone quanto mai ricco, quello della terza edizione, in programma a Reggio Emilia, in piazza Prampolini, dal 5 al 29 luglio, e che presenta, accanto ai cinque tradizionali grandi concerti in piazza, una ricca serie di appuntamenti e di iniziative parallele nel segno del rapporto fra i film e la musica.
Promosso dal Comune di Reggio Emilia – con il contributo della Provincia di Reggio Emilia, il sostegno di Grasselli S.P.A. e la collaborazione di Cineteca di Bologna, Regione Emilia Romagna, Fondazione Nazionale della Danza-Aterballetto e ATER-Associazione Teatri Emilia Romagna – il festival, per la direzione artistica di Alessandro Di Nuzzo, si avvale quest’anno di un finanziamento del Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Sponsor tecnici Tecnograf e ProMusic.
Il cartellone si apre sabato 5 luglio, con una prima assoluta: Stefano Bollani per la prima volta si confronta da vero e proprio “pianista accompagnatore” con alcune pellicole classiche del primo Chaplin. Bollani plays Chaplin, si intitola il concerto: e c’è da giurare, conoscendo il funambolico musicista fiorentino, che non si limiterà certo ad un ruolo da onesto comprimario delle acrobazie di Charlot.
La paura, il brivido, il gusto del thrilling saranno invece protagonisti del secondo appuntamento in programma martedì 8 luglio. Un titolo che è tutto un programma: Italian Poliziesco-Una notte a mano armata. Sul palco, uno dei “mostri sacri” della musica da film italiana: Franco Micalizzi, autore di alcune fra le più celebri colonne sonore degli anni ’60 e ’70 – da Lo chiamavano Trinità a L’ultima neve di primavera. Ma, soprattutto, la firma musicale per eccellenza del cosiddetto “poliziesco all’italiana”: un genere cinematografico che riceve periodicamente attestati d’amore dai cineasti di tutto il mondo, Quentin Tarantino in testa.
Mercoledì 16 luglio sarà la volta di The Alberto Sordi Jazz & Lounge Night, una serata dedicata al grande Alberto Sordi e al musicista che ha accompagnato tutta la sua carriera: Piero Piccioni, compositore di grande versatilità, precursore del genere “lounge” che conosce oggi un incredibile successo tra il pubblico dei giovani. Sul palco, uno dei gruppi più originali e carichi di energia della scena jazz italiana: gli High Five, noti anche per essere gli inseparabili musicisti che accompagnano la voce più cool del momento, quella di Mario Biondi.
Un evento di assoluta unicità nel panorama musicale italiano sarà quello di domenica 20 luglio. Sul palco di OST saliranno due artisti come Gino Paoli e Danilo Rea. Insieme ad un ensemble di grandi musicisti ed alla voce di Diana Torto, daranno vita a Cinema Songs-Canzoni nel cinema: un viaggio emozionante alla riscoperta delle grandi canzoni legate al cinema di ieri e di oggi. Dai leggendari anni Trenta, stagione d’oro del film musicale americano, attraverso le canzoni del cinema francese, fino al cinema italiano. Con un omaggio speciale ad Anna Magnani, di cui ricorre quest’anno il centenario della nascita.
Sarà la danza, quest’anno, a chiudere il cartellone dei concerti di OST. L’appuntamento previsto per martedì 29 luglio vedrà sul palcoscenico una nuova produzione di Aterballetto guidato da Mauro Bigonzetti, Cinèma. Le musiche di Bruno Moretti e diversi autori saranno eseguite dal vivo da Bruno Moretti pianoforte, Mario Giovannelli - sax soprano e alto, Fabrizio Benevelli - sax contralto e tenore, Marco Ferri - sax tenore, Alessandro Creola - sax baritono. Cinèma sarà un viaggio alla riscoperta dei grandi classici del cinema degli esordi, fra vampiri (Nosferatu), città futuribili (Metropolis), comici stralunati e poetici (Buster Keaton). L’arte senza parole delle immagini incontrerà l’arte senza parole del movimento.
Accanto al cartellone dei concerti, OST 2008 presenta una serie di eventi paralleli, tutti dedicati al rapporto fra cinema e musica. Una novità di quest’anno sono gli “aperitivi” di OST: ovvero incontri informali sul far della sera nella cornice del nuovo Spazio Gerra, che vedranno la presenza di prestigiosi personaggi, primo fra tutti Pupi Avati, che sarà chiamato a raccontare il proprio rapporto con la musica fuori e dentro il film, i gusti personali, anche inconfessabili, e le personali debolezze.

Ingresso libero
In caso di maltempo gli spettacoli si terranno al Palasport “G. Bigi”, via Guasco 8

CALENDARIO OST 2008

Sabato 5 Luglio ore 21.30
Bollani plays Chaplin
STEFANO BOLLANI
Stefano Bollani pianoforte in solo

Martedì 8 Luglio ore 21.30
Italian poliziesco - Una notte a mano armata
FRANCO MICALIZZI & BIG BUBBLING BAND
In collaborazione con Gente di Rispetto, Pollanet, CamerClub

Mercoledì 16 Luglio ore 21.30
The Alberto Sordi Jazz & Lounge Night
HIGH FIVE QUINTET
Fabrizio Bosso tromba
Daniele Scannapieco sax
Luca Mannutza pianoforte
Pietro Ciancaglini basso
Lorenzo Tucci batteria
Featuring Daniele Tittarelli sax

Live visuals LABORATORIO GODOT

Domenica 20 Luglio, ore 21.30
Cinema Songs – Canzoni Nel Cinema
Gino Paoli voce
Diana Torto voce
Danilo Rea pianoforte
Marco Tamburini tromba
Marcello Siringano violino
Franco Testa basso
Ellade Bandini batteria

Live visuals Riccardo Sai

Martedì 29 Luglio, ore 21.30
Cinèma
ATERBALLETTO
Coreografia Mauro Bigonzetti
Musica Bruno Moretti e AAVV
eseguita dal vivo da Bruno Moretti pianoforte
Mario Giovannelli sax soprano e alto
Fabrizio Benevelli sax contralto e tenore
Marco Ferri sax tenore
Alessandro Creola sax baritono

GLI “APERITIVI” ALLO SPAZIO GERRA
Martedì 8 luglio, ore 18.30
ITALIA A MANO ARMATA
Il poliziesco degli anni Settanta
conduce Giampaolo Corradini

Venerdi 25 luglio, ore 18.30
UN APERITIVO CON Pupi e Antonio Avati
Conduce Marco Spagnoli

Brianza Open Jazz Festival

2008-07-01T06:59:00.000-07:00

Moonlight Records sara' presente Mercoledì 2 luglio a Brugherio per il doppio concerto di

- MARIA PIA DE VITO & HUW WARREN DUO
Maria Pia De Vito (voce), Huw Warren (pianoforte)

- NORMA WINSTONE TRIO “Distances”
Norma Winstone (voce), Klaus Gesing (sax soprano, cl basso), Glauco Venier (pianoforte)

A tutti coloro che ci verranno a trovare sara' dato in omaggio un bellissimo mini cd della Winstone.

I concerti si terranno a Parco di Villa Fiorita in Brugherio dalle ore 21.00

Sito web: http://www.brianzaopen.com/

Stefano Bollani - Piano Solo - Schio

2008-06-04T07:05:00.000-07:00

Arriva Bollani!
Venerdì 6 giugno, l'ultima data al Teatro Astra della prima edizione di SchioLife avrà per protagonista il pianista più eclettico del panorama musicale italiano(www.stefanobollani.com)
Porta in giro per il mondo uno spettacolo fatto con professionalità e disincanto unici.
Ormai da anni collabora, registra, suona, inventa, scrive libri, ha un suo programma su RadioRai, lo si vede in tv, viaggia tra Europa e Sudamerica portando con sè un bagaglio di energia che ci farà comprendere quanto il titolo dello spettacolo, Piano Solo, significhi l'esatto contrario.
Arriva Bollani! Benvenuto Stefano!

I biglietti disponibili sono in prevendita presso gli abituali negozi di dischi Discovery di Schio fino a venerdì sera, Radio Varsavia di Vicenza e Pick Up Records di Bassano del Grappa fino a giovedì. Gli altri biglietti saranno in vendita dalle 19,30 alla cassa del Teatro Astra.

Lo spettacolo inizierà alle ore 21 e sarà il giusto finale di questa prima edizione di un Festival il cui successo in termini di critica e pubblico ha sorpreso tutti noi e anche qualcuno in più...
Venerdì sera si finirà come da tradizione tra le braccia dell'arte al Ristorante Bistrò da Diego e Coralba e si inizierà già a pensare alla seconda edizione che è già... in cantiere. Le sorprese sfidano la curiosità.

www.schiolife.com

Moonlight Records è lieta di essere il rivenditore ufficiale di questo evento.
Per ulteriori info scrivete a

simone.mlr@tin.it

30 maggio 6 giugno - Novara Jazz Festival

2008-06-01T09:48:00.000-07:00

Dal 30 maggio al 6 giugno saremo presenti durante i concerti del Novara Jazz Festival.

Ecco il programma.

Giovedì 15 maggio 2008 alle ore 21
Markus Stockhausen e Tara Bouman, Moving Sounds

Venerdì 30 maggio 2008 alle ore 21
Tiziano Tononi Trio - Geo(metric)s

Venerdì 30 maggio 2008 alle ore 22:30
William Parker, Raining on the Moon

Sabato 31 maggio 2008 alle ore 21
Pasquale Innarella Quintet, L´uomo del 300 Gilera

Sabato 31 maggio 2008 alle ore 22:30
Ethan Winogrand Quartet

Sabato 31 maggio 2008 alle ore da mezzanotte
Dj Rupture

Domenica 1 giugno 2008 alle ore 21
Michael Nyman & Evan Parker

Domenica 1 giugno 2008 alle ore 22:30
Norma Winstone Trio

Venerdì 6 giugno 2008 alle ore 21
Marcin Wasilewski Trio plays music of movies by R. Polanski

Venerdì 6 giugno 2008 alle ore 22:30
Roberto Fonseca plus Fabrizio Bosso, Cuba Social Club night

Sabato 7 giugno 2008 alle ore 21
Stride Summit: piano battle

Sabato 7 giugno 2008 alle ore 22:30
David Gunn & Guillermo E. Brown, Open Cities/Waste

Sabato 7 giugno 2008 alle ore da mezzanotte
Dj King Britt

Castel San Pietro In Blues 31 maggio 1 giugno

2008-05-29T03:07:00.000-07:00

Moonlight Records sara' presente durante la manifestazione Castel San Pietro in Blues.

SABATO 31 MAGGIO 2008 - PIAZZA XX SETTEMBRE h. 20.30
»» JAMES COTTON "SUPERHARP" BLUES BAND esclusiva italiana
»» DANNY BRYANT'S REDEYE BAND

DOMENICA 1 GIUGNO 2008 - PIAZZA XX SETTEMBRE h. 19.30
»» MICK TAYLOR BAND & BARRY MCCABE
»» ANA POPOVIC BAND esclusiva italiana
»» SONNY BABE AND ALBERT RAY BAND

CONCERTI AD INGRESSO GRATUITO

Vi aspettiamo numerosi.

Martedi 27 Maggio 2008 Luis Bacalov All'Auditorium Di Milano

2008-05-19T01:50:00.000-07:00

Il 27 maggio presso l'Auditorium di Milano sara' possibile assistere ad un evento oserei dire imperdibile per chi ama viaggiare tra le anime. Ascoltare oggi Luis Bacalov significa dar voce al sentimento della nostalgia che risiede in ognuno di noi. Consigliattissimo.

Luis Bacalov Baires II, suite per archi e pianoforte
Luis Bacalov Tanghitudes per pianoforte solo
Angel Villoldo El choclo per pianoforte solo
Astor Piazzolla Libertango
Luis Bacalov Concerto per violino e orchestra

Ricordiamo che prima dell'esibizione sara' possibile acqustare i seguenti cd di Bacalov presso il negozio presente all'auditorium stesso.

LUIS BACALOV (OST) Il Postino (Troisi)
LUIS BACALOV QUARTET Tango And Around ( capolavoro assoluto )

venerdì 30 maggio 2008 Kremerata Baltica

2008-05-17T07:44:00.000-07:00

venerdì 30 maggio saremo presso il Teatro Grande Di Brescia in Occasione del concerto :

Kremerata Baltica
Gidon Kremer direttore e violinista

Glass: Company
Britten: Variazioni su un tema di Frank Bridge
Beethoven: Concerto per violino op.61
Fondazione ASM

Ricordiamo che oltre il cd della serata potete prenotare qualsiasi altro cd presente sul nostro catalogo (www.moonlightrecords.com ) o del catalogo Harmonia Mundi e ritirarlo in occasione del concerto.

Per info scrivete a simone.mlr@tin.it

Steve Earle Venerdi 16 Maggio Live al Fillmore Di Cortemaggiore

2008-05-16T08:27:00.000-07:00

Di ritorno dagli Stati Uniti, Steve Earle sbarcherà in Italia a maggio per tre appuntamenti: Roma, Piacenza e Ancona.
Salirà sul palco per un 'one man show' accompagnato solo da campionamenti elettronici che il produttore John King (Beck, Rolling Stones, Beastie Boys) ha sapientemente inserito nel suo ultimo lavoro, 'Washington Square Serenade'.
Aprirà i suoi concerti Allison Moorer, moglie di Steve ma soprattutto affermata artista country.

Ricordiamo che prima, durante e dopo il concerto di piacenza sara' possibile acquistare al nostro stand i seguenti cd :

STEVE EARLE Early Tracks
FILM ON STEVE EARLE Just An American Boy
STEVE EARLE & THE DUKES Trascendental Blues Live
STEVE EARLE Live From Austin Texas
STEVE EARLE Live From Austin Texas dvd
STEVE EARLE Washington Square Serenad
STEVE EARLE (CD+DVD) Washington Square Serena.
STEVE EARLE LIVE FROM AUSTIN 2000 ( Nuovo cd e dvd )

ALLISON MOORER The Duel
ALLISON MOORER Getting Somewhere
ALLISON MOORER Mockingbird

Louis Bacalov All' Auditorioum di Milano Martedi 13 maggio 2008

2008-05-13T07:25:00.000-07:00

martedì 13 maggio ore 20.30
Auditorium di Milano

Martedì 13 maggio la Verdi propone un concerto straordinario interamente dedicato alla musica per il cinema: il Maestro Luis Bacalov interpreterà alcuni tra i più celebri brani tratti dai più bei film del Novecento e di questi ultimi anni, tra cui “C'era una volta il West”, “Amarcord”, “Mission”, "Kill Bill”, solo per citarne alcuni.

Non tutti i brani che verranno proposti nel concerto hanno ricevuto l'Oscar, ma sono comunque arrivati alla prestigiosa nomination, che viene votata dagli addetti della categoria, i musicisti.
La musica nel cinema è un genere sottovalutato e poco eseguito nel repertorio delle grandi sale da concerto, ma è a tutti gli effetti una componente indissociabile della settima arte. Che sia muto o sonoro, commerciale o d'autore, per bambini o adulti, il cinema non è mai esistito senza la musica.

Luis Bacalov, uno dei migliori musicisti cinematografici per preparazione e sensibilità drammaturgica, ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui il David di Donatello, il Globo d'Oro, il Premio Oscar, il Premio Bafta e il Premio Nino Rota.

Programma:
Luis Bacalov - da A ciascuno il suo, regia di Elio Petri (Italia, 1967)
Luis Bacalov - Seducciòn, da Assassination Tango, regia di Robert Duvall (USA, 2002)
Ennio Morricone - Indagine, da Indagine di un cittadino al si sopra di ogni sospetto, regia di Elio Petri (Italia, 1970)
Ennio Morricone - da C'era una volta il West, regia di Sergio Leone (Italia, 1968)
Luis Bacalov - da Coup de foudre, regia di Diane Kurys (Francia, 1983)
Nino Rota - da La strada, regia di Federico Fellini (Italia, 1954)
Nino Rota - da Amarcord, regia di Federico Fellini (Italia, 1974)
Luis Bacalov - Concerto grosso, da La Vittima Designata, regia di Maurizio Lucidi (Italia, 1971)
Luis Bacalov - da La Città delle donne, regia di Federico Fellini (Italia, 1979)
Luis Bacalov - Suite dal Vangelo secondo Matteo, regia di Pier Paolo Pasolini (Italia, 1964)
Ennio Morricone - da Mission, regia di Roland Joffé (Gran Bretagna, 1986)
Ennio Morricone - da Il Buono, il Brutto, il Cattivo, regia di Sergio Leone (Italia, 1966)
Luis Bacalov - Il grande duello, da Kill Bill, regia di Quentin Tarantino (USA, 2003)
Nino Rota - Galop, da Prova d'orchestra, regia di Federico Fellini (Italia, 1979)

Biografia:
Luis Bacalov, nato a Buenos Aires, inizia la sua formazione musicale all'età di cinque anni, studiando pianoforte con Enrique Baremboim, continuando poi con Berta Sujovolsky (allieva di Artur Schnabel). Inizia ben presto l'attività concertistica in Argentina come solista e in duo con il violinista Alberto Lisy nonchè in gruppi di musica da camera. Fa ricerche sul folklore musicale di varie nazioni sudamericane, lavorando in questa disciplina per la Radio e la Televisione Colombiana, dove inoltre fa conoscere, come interprete, la produzione pianistica delle Americhe dell'Ottocento e del Novecento.
In Italia e in Francia, a partire dagli anni '60, è molto attivo come compositore per il cinema, collaborando tra gli altri con registi quali Lattuada, Damiani, Scola, Petri, Faccini, Giraldi, Wertmüller, Kurys, Stora, Lefebvre, Borowczyk, Greco, i fratelli Frazzi, Pasolini, Fellini, Radford e Rosi. E' anche l'autore delle musiche di Il cielo cade con la regia dei fratelli Frazzi con i quali ha collaborato anche per Almost American. Per le musiche de Il Postino, con la regia di Michael Radford, ha avuto numerosi premi e nomination: il Davide di Donatello, il Globo d'Oro della Stampa Estera in Italia, il Nastro d'Argento dell'Associazione dei Critici Cinematografici, il Premio Oscar della Academy of Motion Pictures Arts and Science, il Premio Bafta (British Academy for Film and Television Arts), il Premio Nino Rota. Per La tregua di Francesco Rosi ha conseguito una nomination per il David di Donatello ed una nomination dalla A.M.P.A. per il Vangelo secondo Matteo di Pier Paolo Pasolini. Ha vinto il Globo d'oro per la musica del film Il Consiglio d'Egitto di Emidio Greco.
Luis Bacalov è attivo come pianista e direttore d'orchestra: accanto al repertorio tradizionale e contemporaneo, esegue musiche di autori latino-americani, incluse le sue proprie. Ha inaugurato la Cavea dell'Auditorium, Parco della Musica, a Roma il 2 luglio 2003 con il programma "Cinema Italiano", dirigendo l'Orchestra della Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Ha suonato al pianoforte Triple Concierto, per soprano, bandoneon e pianoforte, da lui composto e presentato in prima esecuzione dalla Santa Barbara Symphony Orchestra, in California, e poi dall'Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi. Nominato Direttore Principale dell'Orchestra della Magna Grecia di Taranto è presente in diverse rassegne musicali come Direttore d'Orchestra. E' docente di composizione di musica per il cinema alla Accademia Chigiana di Siena.
E' autore di composizioni per chitarra, violino, per vari gruppi strumentali e per pianoforte e orchestra. La sua composizione per soli, coro e orchestra intitolata Misa Tango, registrata dalla DGG sotto la direzione di Myung-Whun Chung con Placido Domingo, Ana Maria Martinez e Hector Ulises Passarella, è stata eseguita a Roma con l'Orchestra della Accademia Nazionale di Santa Cecilia durante il Festival di Pasqua 1999. Per la DGG Luis Bacalov ha registrato, nella rielaborazione per pianoforte e orchestra, i tanghi di Piazzolla e il suo Tangosain. L'intero album DGG\Universal ha avuto la nomination al Latin American Grammy Awards 2001.
Ha più volte diretto Misa Tango, nello scorso anno a Palermo al Teatro Massimo per l'apertura della Stagione Estiva e a Bari in occasione del Congresso Eucaristico Nazionale. Quest'ultimo concerto è stato trasmesso dalla Radiotelevisione Italiana. Ha diretto la prima esecuzione mondiale della sua prima opera teatrale, Estaba la Madre, che, su commissione del Teatro dell'Opera di Roma, è andata in scena al Teatro Nazionale di Roma nel 2004 e nel 2005, con la regia di Giorgio Barberio Corsetti. A Città del Messico ha diretto la prima mondiale della sua opera Un ingenioso hidalgo en America.
Ha formato un quartetto con bandoneón, contrabbasso, percussioni e pianoforte, con il quale esegue composizioni che ricercano punti d'incontro fra diverse culture musicali, approdando ad un risultato fortemente sincretico (musica etnica, urbana, contemporanea).

Auditorium di Milano
Largo Gustav Mahler
tel. 02.83389.401/2/3
Orario biglietteria:
lunedì-venerdì 14.30 - 19.00)
Biglietti
Posto unico 10 euro (ridotto 5 euro)

Ricordiamo che in tale occasione sara' possibile acquistare i seguenti cds

LUIS BACALOV (OST) Il Postino (Troisi)
LUIS BACALOV QUARTET Tango And Around ( Uno dei piu' bei cd di Bacalov*****)

Per maggiori informazioni sui cd contattare
simone.mlr@tin.it

Richard Thompson - Live a Milano 12-05 -2008

2008-05-12T07:08:00.000-07:00

Un monumento. Richard Thompson (1949), londinese ormai da lungo tempo trapiantato in California, è un artista grandioso, di sicuro uno dei più influenti della sua generazione, capace di occupare una centralità assoluta in un settore decisamente ampio dell’universo musicale.

Per comodità, ma peccando di un’ingenerosa approssimazione, Thompson viene annoverato tra gli artisti di scuola folk: ilmosaico delle sue produzioni, l’insieme delle collaborazioni e degli interventi nel cuore della musica, ne fanno invece un musicista completo, carico di autorevolezza e di prestigio, in grado di renderlo un ‘must’ del rock d’autore, grazie anche al palmares dei riconoscimenti. Solo per citarne alcuni: il premioIgor Novello per il profilo letterario dei suoi testi, il Bbc Lifetime Achievement Award, una sorta di tributoalla carriera, mentre la rivista Rolling Stone lo ha inserito nella graduatoria dei venti migliori chitarristi di tutti i tempi.

E, se non bastasse, ecco una produzione che appare, nella sua traiettoria di quarant’anni di musica, un florilegio all’insegna di una qualità sopraffina. Iniziata nel 1967 con la fondazione dei Fairport Convention, la più longeva e rilevante band dell’epopea folk-rock, è tuttora densa di segnali esemplari, come dimostra la collaborazione con Werner Herzog, il più visionario dei registi contemporanei, per cui ha scritto ed eseguito le musiche del recente “Grizzly Man” (2005).

Abile nel giostrare su più fronti, comprese alcune incursioni in ambito d’avanguardia, Richard ha circa quaranta album al suo attivo: l’ultimo in ordine cronologico, uscito nella prima parte del 2007, è “Sweet Warrior”, che ne conferma la continuità sempre ad altissimi livelli. Dice Thompson: “Ho cominciato che avevo otto anni e da allora non ho mai smesso. Strimpello tutto il giorno, per la disperazione di chi mi sta intorno. Per me la chitarra è un’estensione naturale del mio corpo.”

Richard Thompson voce e chitarre
Danny Thompson basso
Pete Zorn fiati
Michael Jerome batteria, percussioni

I cd di Richard Thompson che sarà possibile acquistare al termine del concerto sono

DR.JOHN & RICHARD THOMPSON Mountain Stage Vol.1
RICHARD THOMPSON Daring Adventures
RICHARD THOMPSON Across A Crowded Room
RICHARD THOMPSON Strict Tempo
RICHARD THOMPSON/SANDY DENNY & O. Circle Dance
RALPH MCTELL & RICHARD THOMPSON The Song Of...
RICHARD THOMPSON Henry The Human Fly
RICHARD THOMPSON Live From Austin Texas
RICHARD THOMPSON (89 MIN.+1 B.T.) Live From Austin Texas
RICHARD THOMPSON (5 CD) The Life And Music Of...
RICHARD THOMPSON Sweet Warrior